LES CLAPOTIS D'UN YOYO II

Le miroir du CALQ

2012-01-30T12:06:00.003-05:00

Le Théâtre 100 Masques a reçu la réponse à sa demande de subvention déposée en octobre dernier auprès du CALQ. Le projet en question était la prochaine production estivale de la compagnie, La Marmite d'après le texte antique de Plaute.

La réponse est négative. Encore. Et je sais que la présentation de notre dossier n'est pas à la hauteur de ce qu'ils devraient être. Que nos antécédents n'ont rien pour aider... Que nos archives sont de piètre qualité.

Pour toutes ces raisons, la surprise n'en est pas une puisque jamais nous n'avons reçu d'argent de leur part.

Un appel à notre agent nous donne toutefois les raisons de ce nouveau refus... en somme, le projet était jugé relativement bon (avec quelques bémols, bien entendu, sinon, nous aurions de l'argent) mais sans se démarquer des autres.... Avec une bonne évaluation pour les capacités de gestion et le montage financier.

Le hic principal (mais encore une fois, je le redis, d'autres points ont été soulevés) concerne ce que, depuis le début du Théâtre 100 Masques, nous appelons notre mission sociale (voire notre mission fondamentale): accorder une place à la relève. L'objectif est valeureux et justifiable... mais difficile à prouver dans notre contexte de travail saguenéen ou cette dite relève est partout au fond.

Nous en sommes donc là. Et, comme directeur général et artistique de la compagnie, je crois qu'il est maintenant venu le temps de faire le ménage dans ce que nous sommes, dans notre façon de nous présenter, dans la définition de nos actions.

C'est maintenant le temps (du moins, ça viendra) d'un nouveau Théâtre 100 Masques, plus affirmé qui arrête de s'enfarger dans les fleurs du tapis.

L'origine du théâtre au Canada (c'est-à-dire au Québec)...

2012-01-29T09:54:00.000-05:00

Une dense page d'histoire couvrant plusieurs décennies de pratiques théâtrales au début de la colonie... qui vient du second volume de Notre histoire: Québec-Canada par Jacques Lacoursière,Claude Bouchard, Richard Howard, publié en 1972:

Le théâtre est né au Canada le 14 novembre 1606. Pour fêter le retour de Jean de Biencourt de Poutrincourt du pays des Armouchiquois, Marc Lescarbot compose une pièce en vers où il met en scène le dieu Neptune, les Tritons et des Amérindiens. La première partie de la pièce est jouée sur l'eau, la seconde l'est dans le fort de Port-Royal. La pièce se termine par une tirade de dix-huit vers qui invite les participants à un grand banquet: «Entrez dedans. Messieurs, pour votre bienvenue. Qu'avant boire chacun hautement éternue Afin de décharger toutes froides humeurs Et remplir vos cerveaux de plus douces vapeurs». Autre création théâtrale: en 1640, pour célébrer le premier anniversaire de naissance du Dauphin, le gouverneur de Montmagny fait exécuter une tragi-comédie «où l'âme d'un infidèle est poursuivie par deux démons». Le spectacle a un but apostolique: il doit frapper les spectateurs algonquins et, pour ce, on fait parler les démons en langue algonquine! Le père Paul LeJeune résume ainsi le scénario de la pièce: «Nous fîmes poursuivre l'âme d'un infidèle par deux démons qui enfin le précipitèrent dans un enfer qui vomissait des flammes. Les résistances, les cris et les hurlements de cette âme et de ces démons qui parlaient en langue algonquine donnèrent si avant dans le cœur de quelques uns, qu'un Sauvage nous dit à deux jours de là qu'il avait été fort épouvanté la nuit par un songe très affreux». A l'occasion de l'arrivée d'un gouverneur ou pour saluer monseigneur Laval, on compose des pièces en vers latins ou français. La valeur littéraire de ces œuvres, pour le peu qu'on en connaisse, laisse à désirer.

Pierre Corneille est l'auteur français le plus joué à Québec au dix-septième siècle. Le 31 décembre 1646, on interprète dans le magasin de la Compagnie de la Nouvelle-France, une pièce à succès: Le Cid. Le rédacteur du journal des Jésuites note pour cette journée: «Le dernier jour de l'an, on représenta une action dans le magasin, du Cid. Nos pères y assistèrent pour la considération de Mons, le Gouverneur, qui y avait de l'affection et les sauvages aussi; le tout se passa bien et n'y eut rien qui put mal édifier». Cinq ans plus tard, soit le 4 décembre 1651, on jouera une autre pièce de Corneille intitulée Héraclius.

Le clergé se méfie du théâtre. Monseigneur de Saint-Vallier avertit le gouverneur Denonville «que l'on ne croit pas qu'il soit bienséant à la profession du christianisme de lui (la fille du gouverneur) permettre la liberté de représenter un personnage de comédie, et de paraître devant le monde comme une actrice en déclamant des vers, quelque sainte qu'en puisse être la matière; et bien moins encore croit-on qu'on doivent souffrir que des garçons déclament avec des filles».

L'affrontement majeur entre l'autorité ecclésiastique et l'autorité civile pour une question de théâtre se situe en 1694. Le gouverneur Frontenac avait développé, à Québec, une certaine vie de cour où les banquets, les bals et les spectacles étaient assez fréquents. En 1693, des officiers de l'armée accompagnés de quelques dames organisent des représentations de théâtre; on présente deux pièces, Nicomède de Corneille et Mithridate de Jean Racine. L'année suivante, les gens de l'entourage du gouverneur décident de présenter une pièce controversée, Tartuffe de Molière. Le 10 janvier 1694, Monseigneur de Saint-Vallier demande aux curés de condamner le théâtre ainsi que l'instigateur prétendu de la représentation projetée, Jacques de Mareuil. Six jours plus tard, les paroissiens sont avertis que, s'ils assistent à la représentation du Tartuffe, ils seront coupables de péché mortel. L'évêque offre à Frontenac un montant de cent pistoles pour que la représentation n'ait pas lieu. Le gouverneur accepte le pot-de-vin épiscopal et il n'est plus question du Tartuffe! Dès la réception du montant, Frontenac fait distribuer la somme aux pauvres de la ville. Mais le théâtre disparaît pour un certain temps par suite des déclarations de l'évêque: «Nous déclarons que ces sortes de comédies ne sont pas seulement dangereuses, mais qu'elles sont absolument mauvaises et criminelles, et qu'on ne peut y assister sans péché.»

Au théâtre, cette semaine! (du 29 jan. au 4 fév. 2012)

2012-01-29T08:31:00.001-05:00

Il me semble que, depuis le début de l'année, le théâtre se fait attendre dans la région. C'est, présentement, le calme plat... ce qui ne veut pas dire qu'il ne se passe rien. Bien au contraire. Les équipes bossent chacune dans leur coin en vue des prochaines productions. On ne perd rien pour attendre...

Toutefois, pour cette semaine, ça ne donne pas de représentations publiques... À moins que je n'oublie des trucs... le cas échéant, on pourra me le faire savoir via les commentaires.

Ébauche schématique de l'action théâtrale

2012-01-28T14:32:00.003-05:00

Il s'agit là d'une première ébauche de ce qu'est le théâtre... car il faut revoir la définition des trois principales notions que sont la littérarité, la théâtralité et la performativité... ou du moins, réussir à intégrer, dans ce graphique la conscience, le choix et le libre-arbitre de l'acteur. Il manque également, pour le moment, tout le principe du dialogue avec le spectateur.

De Sacha Guitry...

2012-01-28T08:36:00.002-05:00

Même si je suis intéressé par toutes les styles d'écritures, de l'Antiquité à notre époque, il reste que celui de Sacha Guitry me plaît toujours. Guitry c'est d'abord un esprit fin, avec le sens de la phrase, de l'aphorisme... et une vision du théâtre précise et surtout respectueuse du public. Comme celle-ci:

Au théâtre,

le public sait que nous sommes en scène

bien plus encore pour son plaisir

que pour le nôtre.

Il sait aussi que,

pendant que nous jouons,

nous sommes en train de travailler.

Mais Guitry c'est aussi des pièces qui, sous une apparente simplicité, cachent presque toutes une cruauté morale, un sens aigu de l'observation trempé dans l'ironie, le cynisme et le sarcasme. Guitry c'est, enfin, une véritable mécanique de la conversation construite sur un rythme incomparable, une joute verbale. Un (dernier!) bon modèle, peut-être, de la pièce bien faite*.

Malgré ce dernier point qui peut lui être défavorable, il est intéressant de se rappeler que Guitry est, en fait, un contemporain des Courteline, Feydeau (qui lui a d'ailleurs servi de témoin lors de son premier mariage) qu'il a côtoyé... mais aussi - et peut-être pourrait-il y avoir des liens à tirer...) des grands dramaturges que sont Jarry, Ibsen, Maeterlinck, Tcheckhov (l'année où celui-ci présentait sa dernière pièce, La Cerisaie, Guitry présentait sa première, Nono), Strindberg et j'en passe...

Si l'air du temps existe vraiment - cet air qui fait que des similitudes existent entre deux artistes qui ne se sont pourtant jamais rencontrés - l'oeuvre de Guitry devrait être abordée avec un nouveau regard.

_________________________________________________________

* D'après Michel Corvin (et son dictionnaire), la pièce bien faite (une notion très XIXième et début XXième siècle...) s'intéresse à la vie privée de ses personnages selon trois axes précis: la rationalité (tout s'explique); la progressivité (le conflit est linéaire et le mouvement est chronologique et régulier); la clarté (les personnages sont des types qui permettent facilement de comprendre les caractères). Le tout est surindiqué à coups de redondance et de procédés rhétoriques (gradation et concentration des effets, antithèses, hyperboles). Le «clou» résidant dans la (ou les) scène(s) à faire, sorte de climax de la tension dramatique ou de l'explosion comique.

Le confort du lieu théâtral...

2012-01-27T14:02:00.003-05:00

Les descriptions théâtrales écrites à l'époque - que ce soit au XVIième ou au XIXième siècle... - me plaisent toujours autant.

La poésie de l'art dramatique, c'est aussi son histoire presque trois fois millénaire. Du lointain à aujourd'hui, une évolution est en marche et pourtant... Il y a tout un monde entre leur façon de faire et la nôtre, toute pétrie de technologies et de remises en questions. Bien le saisir, comprendre où nous en sommes rendus, devient nécessaire... utile, à tout le moins.

Ma dernière trouvaille (merci à L'Art du théâtre d'Odette Aslan) est cet extrait d'un ouvrage d'André Jean Jacques Deshayes paru en 1822 qui établit les paramètre confortables (notamment en ce qui a trait à la lumière) du lieu théâtral...

Une salle de spectacle doit rassembler dans ses proportions une coupe élégante et commode, qui soit favorable à l'œil et à l'ouïe [...].

La manière d'échauffer la salle est aussi importante que celle de la rafraîchir à volonté.

L'éclairage en bougie est préférable à tout autre, en ce que, d'abord il ne porte aucune mauvaise odeur, et moins de chaleur, et ne fait aucun tort à la lumière du théâtre, qui doit toujours avoir la supériorité pour l'effet général.

[...] L'éclairage avec le gaz épuré est excellent pour l'extérieur et seulement l'extérieur du théâtre, parce que, n'étant pas renfermé, son évaporation se fait moins sentir.

Cette lumière est parfaite pour l'effet de la scène. Par le moyen du gaz, on peut obtenir une graduation de clarté vraiment magique, et on ne serait pas obligé de faire des invraisemblances choquantes, lorsque l'action commande de passer du jour à la nuit [...]. Ce procédé serait une amélioration sensible tant pour l'économie, l'illusion, que pour la propreté des décors, en ce qu'ils ne seraient plus enfumés ni tachés d'huile.

Bref, de l'idéal au pragmatisme, il y a aussi tout un monde...

Du positionnement esthétique...

2012-01-26T05:00:00.000-05:00

Supposons une droite représentant les deux extrêmes de la quête théâtrale... à savoir soit une recherche d'autonomisation du corps, soit une recherche d'autonomisation de la scène qui surpassent deux autres éléments: le texte et l'image.

De cette façon, il devient plus facile de comprendre les positions historico-pratico-théoriques des prédécesseurs, des grandes figures de la mise en scène... et de les mettre en rapport les uns aux autres... comme ceci:

Évidemment, cette droite n'a rien de bien scientifique et m'est parfaitement subjective et peut se modifier (et se modifie effectivement à chaque fois que je la vois).

Et s'il me fallait y positionner Artaud l'incompréhensible, je ferais ceci:

Peut-être, au fond, que la ligne n'est pas si efficace...

Les rôles du spectateurs

2012-01-25T09:12:00.004-05:00

Les spectateurs ne sont pas simplement des témoins: sans eux, ce qui se passe sur scène n'aurait point d'existence a un jour écrit M. Henri Gouhier... qui fut cité par la suite dans l'ouvrage Molière ou la liberté mise à nu de Georges-Arthur Goldschmidt en 1973 aux éditions Julliard.

Ce dernier (Goldschmidt) poursuit: Or, en quoi le spectateur intervient-il? Quel est son rôle à ce spectateur pour qui et par qui la représentation a lieu? Sa fonction est à la fois essentielle et explicative: il est regard. Il est même le regard qui donne vraiment son sens au théâtre. Il est géométriquement le lieu où le spectacle se constitue comme tel. Toute relation sur la scène, toute situation est, telle qu'elle est, une, elle n'existe que ricochant sur le spectateur, qu'en se réfléchissant sur lui. Et le spectateur, comme tel, est celui qui réfléchit le spectacle qui s'adresse à lui. Il le réfléchit dans les deux sens du terme: il le répercute [...] et le réfléchit au moyen de sa conscience. La relation spectateur-spectacle est l'image exacte, la figuration de la conscience. Le spectateur est comme une conscience seconde de chacun des personnages et de tous à la fois. Simultanée et successive, particulière et s'attachant à l'ensemble, cette conscience ou ce regard du spectateur est, en fin de compte, le contenu derrière le contenu, la représentation théâtrale derrière la représentation théâtrale.

La définition est un peu hermétique mais elle n'en demeure pas moins intéressante dans sa tentative d'expliquer le lien nécessaire entre le spectateur et l'objet théâtral... Sans spectateur, le théâtre peut-il exister?

«Il faut qu'une porte soit ouverte ou fermée» [Carnet de mise en scène]

2012-01-24T06:00:00.000-05:00

Décidément, je découvre, depuis quelques temps, les diverses fonctions de mes programmes informatiques de bases ce qui me permet, d'une part, de faire de beaux graphiques (vive Paint!) et, d'autres parts, de faire des captures d'écran celles-ci, de Il faut qu'une porte soit ouverte ou fermée (tirées d'un document vidéo tourné lors des premières répétitions en 2004, avec les comédiens Marc-André Perrier et Isabelle Boivin):

Ces images, elles me plaisent bien... d'autant plus que nous sommes présentement de retour en salle de répétition afin d'affiner le jeu et les enjeux en vue d'une prochaine représentation saguenéenne et, bien sûr, de la sortie française en mars prochain.

Le temps a quand même bien passé depuis ces photos... En sept ans, les choses ont évolué. Ma façon de concevoir le théâtre aussi.

Pour le moment - et mieux encore qu'à l'époque - nous nous attardons à solidifier le rapport entre le texte et les mouvements. En ce sens, le comédien ne doit pas s'énerver et prendre l'ensemble de la production, s'embrouillant du coup... mais plutôt suivre la partition du texte où les mots partagent le rythme avec une véritable ponctuation gestuelle.

Ça reste cependant toujours plus facile à dire qu'à faire...

Comment il a écrit «Six personnages en quête d'auteur»

2012-01-23T11:11:00.003-05:00

(oeuvre illustrant la pièce dans sa version publiée dans la collection Classiques de poche)

La pièce Six personnages en quête d'auteur de Luigi Pirandello (écrite en 1921) est assurément l'une des pièces emblématiques du théâtre contemporain. Une pièce marquante. Troublante. Voici comment l'auteur en explique la genèse dans la revue Revue de Paris publiée en 1925:

J'ai écrit les «Six personnages en quête d'auteur» pour me délivrer d'un cauchemar.

... Je me trouvai en présence d'un homme sur la cinquantaine, en veston noir et pantalons clairs, avec les sourcils froncés, le regard revêche à force d'être mortifié; d'une pauvre petite femme en deuil de veuve, tenant d'une main une petite de quatre ans et de l'autre un garçon d'un peu plus de dix ans; d'une jeune femme hardie et provocante, vêtue elle aussi de noir, mais avec un éclat équivoque et tapageur, toute frémissante d'un dédain joyeux et mordant pour le vieux mortifié et pour un jeune homme d'une vingtaine d'années, qui se tenait distant et renfermé en lui-même, comme s'il méprisait tous les autres. En somme, c'étaient les six personnages comme on les voit maintenant apparaître sur la scène, au début de la comédie.

[...] Et ils attendaient, présents devant moi, chacun avec son tourment secret, et tous unis par la naissance et par le cours de leurs aventures réciproques, que je les fisse entrer dans le monde de l'art, en composant avec leurs personnes, leurs passions et leurs histoires un roman, un drame ou, pour le moins, une nouvelles. Ils choisissaient certains moments de la journée pour se représenter à moi, dans la solitude de mon cabinet, et tantôt l'un, tantôt l'autre ou deux à la fois, ils venaient me tenter, me proposer telle ou telle scène à représenter ou décrire les effets qu'on aurait pu en tirer... À un moment j'en arrivai même à une véritable obsession.

Une belle grande pièce...

Au théâtre, cette semaine! (du 22 au 28 janvier 2012)

2012-01-22T08:21:00.003-05:00

Petite semaine sous le signe du Clown Noir...

Mercredi à samedi - 25 au 28 janvier 2012

Salle Murdock (Chic.), 20h

Le Théâtre du Faux Coffre présente en reprise, cette semaine, le solo coup de poing conçu et réalisé par Pascal Rioux, Le conte bancaire de Piédestal. J'en avais parlé ici. À (re)voir. Mais, encore une fois, mieux vaut réserver à l'avance (la salle est petite!) soit par téléphone au 418-698-3000 poste 6561 ou via la page Facebook de l'événement.

Jeudi - 26 janvier 2012

Salle Luc-Tessier (Poly. Camille-Lavoie), heures?

Encore du côté des Clowns Noirs... en représentations scolaires seulement! Le Théâtre du Faux Coffre donnera, dans ce cadre, deux représentations des Lectures de Diogène.

___________________________________________________

Sinon, il y aussi - bien que ça n'ait strictement rien de spécifiquement théâtral!

Mercredi - 25 janvier 2012

Salle Jacques-Clément (Conservatoire de Chic.), 17h30

Le CRC tient son Assemblée générale annuelle. Il est important de soutenir cet organisme.

François Pérusse au théâtre...

2012-01-21T10:05:00.000-05:00

Petit samedi peinard... où la légèreté est de mise... comme ces capsules de François Pérusse...

Les vérités du théâtre... selon Peter Brook

2012-01-20T08:41:00.004-05:00

Peter Brook photographié par Michael Ward

Ce matin, à la recherche d'un sujet pour le billet présent, je tombe sur ces quelques vérités théâtrales édictées par Peter Brook à la fin de son ouvrage L'espace vide.

Répétition, représentation, assistance: ces trois mots résument les trois éléments indispensables pour que l'événement théâtral prenne vie. Mais l'essentiel reste à découvrir, car les mots sont statiques. Toute formule essaie de capter une vérité qui soit impérissable, alors que la vérité, au théâtre, est toujours en évolution.

J'aime bien la simplicité de Brook. Bien sûr, il dévoile sa propre vision du théâtre. Exigeante et rituelle. Profonde et efficace. Mais qu'on adhère ou non, sa façon de parler de son art est toujours admirable:

Dans la vie quotidienne, l'expression «comme si» est une fonction grammaticale; au théâtre, «comme si» est une expérience.

Dans la vie quotidienne, «comme si» est une évasion; au théâtre, «comme si» est la vérité.

Quand nous sommes convaincus de cette vérité, alors le théâtre et la vie ne font qu'un.

C'est un noble objectif. Cela semble difficile.

Jouer sur une scène demande un gros effort. Mais quand le travail est vécu comme un jeu, alors ce n'est plus un travail.

Jouer est un jeu.

Que rajouter de plus? Tout est dit.

Les catégories de comédiens...

2012-01-19T08:43:00.001-05:00

Voici comment, dans le recueil (le lexique serait plus juste...) Les secrets des coulisses des théâtres de Paris: mystères - mœurs - usages par Joachim Duflot (publié en 1865 et retrouvé ici) on distingue trois types de comédiens au sein des différentes compagnie (enfin... des troupes...):

Troupe. — Chaque théâtre a sa troupe qui se divise en trois catégories, ainsi dénommées: la «troupe d'or», la «troupe d'argent», les «rognures de fer-blanc».

La «troupe d'or» est une sorte de bataillon sacré, composé d'artistes éminents et destinés à jouer les pièces sur lesquelles l'administration fonde les plus grandes espérances; elle n'a de relations qu'avec les auteurs de la première catégorie [...]. Ils font recette.

Les «troupes d'argent» possèdent des acteurs de talent, mais qui ne peuvent faire de l'argent qu'à la condition de jouer une excellente pièce [...]. Le dénombrement en serait trop long.

Quant aux «rognures de fer-blanc», vous les connaissez aussi bien que nous, elles jouent les levers de rideau au milieu du bruit des portes qui s'ouvrent et ferment.

Je trouve assez amusant ce jugement de valeur. Quelque peu sarcastique... Je me demande qui, si on appliquait ce principe au milieu théâtral québécois (parce que je n'ose imaginer les ravages d'une telle application sur le milieu saguenéen!), se retrouverait où...

À venir... je l'espère...

2012-01-18T12:31:00.000-05:00

Nous (le Théâtre 100 Masques) venons de déposer un projet pour un spectacle itinérant... un spectacle conçu spécifiquement pour la route... aux carrefours d'esthétiques toutes aussi diverses que le cirque, le théâtre de trétaux du Moyen-Âge et La Roulotte qui sillonnait (le fait-elle encore aujourd'hui?) les parcs métropolitains pour présenter des spectacles. D'ailleurs, voici une vidéo de l'installation de celle-ci:

Si le projet fonctionne, il fera bon prendre la route...pour un grand freak show sur l'histoire plus qu'anecdotique du Saguenay-Lac-Saint-Jean... Sinon...

Des quatuors...

2012-01-18T10:34:00.000-05:00

La présente session est, pour moi, sous le signe de l'écriture de Daniel Keene... plus particulièrement, sous l'égide de ses Pièces courtes 1 et 2 (dont il était question ici), matière textuelle de mon cours.

J'apprécie cette écriture simple et efficace, traversée par un indéniable souffle poétique. Des textes «désespérés» et pourtant lumineux. Des textes qui portent, plus souvent qu'autrement, sur la solitude. L'absence de l'autre. L'impossibilité d'entrer en communication. Des textes courts à un, deux ou trois personnages. Des formes brèves... et denses.

Et j'aime Keene pour sa vision du théâtre... elle aussi poétique. Mais qui me parle terriblement. En fait foi cette (étonnante!) préface (enfin, cet extrait qui constitue le premier paragraphe de celle-ci):

En règle générale je préfère les quatuors aux symphonies. Dans un quatuor la contribution de chaque instrument peut être clairement entendue et peut être comprise. Le possible dialogue entre les instruments peut être extrêmement subtil, infiniment complexe; ou il peut s'agir de la forme la plus élémentaire d'appel et de réponse. Ce dialogue est, par essence, théâtral. Quand ils se conjuguent pour rendre une seule «voix», les instruments du quatuor peuvent créer un son à nul autre pareil, faire à la fois l'effet d'une tempête piégée dans une bouteille et celui du tumulte chaotique déchaîné depuis un champ de bataille. [...] Pour moi les «drames» des quatuors sont des drames humains; dans les complexités qu'ils inspirent et les réponses qu'ils exigent réside la matière de notre condition mortelle.

C'est beau, non? Vite une mise en scène!

Les trois fonctions dramaturgiques

2012-01-18T07:47:00.003-05:00

Mon assiduité sur ce blogue est mise à mal par les temps qui courent. Il faut dire, à ma décharge, que le temps me manque pour monter les dossiers nécessaires à l'avancement du Théâtre 100 Masques et la préparation de mon cours, Dramaturgie et mise en scène.

D'ailleurs, pour tenter de bien cerner ce qu'est la dramaturgie (dont la notion est mouvante selon les théoriciens et autres sémiologues...), j'en ai fait un tableau synthèse qui en trace les trois grandes et principales fonctions.

Si l'on tente de donner une définition toute simple, la dramaturgie est la compréhension d'une oeuvre en vue de son appropriation et de son interprétation.

Au théâtre, cette semaine! (du 15 au 21 janvier 2012)

2012-01-15T08:22:00.002-05:00

Est revenu le moment de reprendre ces calendriers hebdomadaires des pratiques théâtrales régionales... après une pause pendant laquelle aucune activité publique n'a eu lieu.

Ça reprend doucement, mais sûrement!

___________________________________________________

Mercredi - 18 janvier 2012

Salle Lionel-Villeneuve (Rob.), 19h30

Le Théâtre Mic Mac reprend ses activités de lectures publiques. Tout au cours de l'année, diverses équipes présentent des textes québécois contemporains dans une véritable mise en lecture théâtralisée. Un bon moyen de découvrir ce répertoire. Cette fois, c'est au tour du Porc-Épic de David Paquet: Cassandre est belle, drôle et seule. Aujourd’hui, jour de son anniversaire, elle préférerait être belle, drôle et entourée. Commence alors une chasse aux invités – personnel travaillant au dépanneur du coin et autres inconnus croisés par hasard – qui la mènera bien plus loin qu’elle ne le croit. Agréable mélange d’absurde, d’humour noir et de poésie, ce texte est une tragédie festive où les genres comme les gens s’entrechoquent et s’apprivoisent sur le chemin de la solitude, de l’ouverture et de la vulnérabilité, car peut-on toucher sans être piqué?

De merc. à samedi - du 18 au 21 janvier 2012

Salle Murdock (Chic.), 20h

Le Théâtre du Faux Coffre reprend une nouvelle fois le solo de Diogène, Les lectures de Diogène. Pastiche des spectacles-lectures de Fabrice Lucchini, ce solo se construit (pour le plus grand plaisir des spectateurs) autour d'un roman écrit par un jeune Martin Giguère, âgé de 9 ans et des poussières. Dès qu'il est question des Clowns noirs, il vaut mieux réserver soit par Facebook (sur la page de l'événement), soit par téléphone, au 418-698-3000 poste 6561.

___________________________________________________

C'est ce qui se passera cette semaine. Il se peut que j'oublie des trucs (ou pire, que j'en ignore l'existence!). Si c'est le cas, il est possible de faire des ajouts via les commentaires.

Les lettres de noblesse du rire

2012-01-14T08:25:00.004-05:00

Petite incursion, ce matin, dans le monde du rire... grâce à l'ouvrage Coulisses de bourse et de théâtre de Messieurs Edmond Benjamin et Henry Buguet, publié en 1882 (qu'on peut retrouver ici) et dans lequel il est fait une certaine analogie entre ces deux univers que sont, évidemment, la bourse et le théâtre.

Un chapitre consacré à l'art dramatique s'intitule Les révélation d'un chef de claque (de ces personnes chargées de forcer, en quelque sorte, le succès d'une pièce). On y retrouve toute une nomenclature des rires selon les situations:

Dernièrement un chef de claque fameux nous racontait qu'il avait été le premier à inventer le rire de convention. Voici comment il expliquait sa théorie, c'est-à-dire la manière dont il rit à certaine partie d'une pièce pour encourager ses claqueurs à faire mousser les passages à effet:

D'après lui, il y a cinq espèces de rires, basés sur les cinq voyelles de l'alphabet. Le rire en A, le rire en E, le rire en I, le rire en 0 et le rire en U.

Le rire en A, c'est le rire fin, provoqué par un trait d'esprit. Il signifie : ah! ah! ah! que c'est joli, que c'est délicat!

Le rire en E, c'est le rire gai, provoqué par une forte saillie. Il signifie : eh! eh! eh! que c'est plaisant, que c'est drôle!

Le rire en I, c'est le rire d'attendrissement provoqué par une grosse bêtise. Il signifie : ih ! ih! ih ! que c'est amusant, que c'est farce!

Le rire en 0, c'est le rire de la franche gaîté, provoqué par une balourdise. Il signifie : oh! oh! oh! que c'est rigolo, que c'est épatant.

Enfin, le rire en U, c'est le simple sourire provoqué par un mot à double entente. Il signifie : uh ! uh ! uh! cela va tout seul; cela se comprend ce n'est pas mal!

Fallait y penser.

Un nouveau Villeneuve...

2012-01-13T16:55:00.000-05:00

Pour ou contre ce média «alternatif» qu'est Saguenay Ville en action? La réponse importe peu. Je tenais à montrer cette capsule, juste pour noter, au passage, que l'éclairage de cette «nouvelle» exposition a été réalisé par Alexandre Nadeau, éclairagiste de son état. Le seul. L'unique.

Une première définition «néo-maniériste meyerholdienne»

2012-01-12T18:06:00.003-05:00

Le néo-maniérisme meyerholdien revient, en quelque sorte, en une approche résolument formelle et physique des trois pôles théâtraux que sont la littérarité, la théâtralité et la performativité.

En d'autres termes, ce néo-maniérisme meyerholdien vise une matérialisation concrète (et non hiérarchique...) de son rapport au texte (comme moteur dramatique générateur de tensions, de décalages, de rythme), de son rapport à la scène (comme esthétique motrice et dynamique), de son rapport au corps (comme paramètres de jeu, de potentiel événementiel, de liberté).

Maintenant, ça donne quoi? On y revient:

Dans sa quête de parfaite harmonie de l'ensemble théâtral, le néo-maniérisme meyerholdien doit (nécessairement?) se retrouver au centre de ce schéma (soit dans la petite partie rouge).

Maintenant, que signifie «une approche physique, matérielle, concrète» du texte, de la scène ou du jeu? Ça reste encore à voir... mais c'est si simple sur papier...

Pause «ecce mundienne»

2012-01-11T08:26:00.000-05:00

Reviendra? Reviendra pas?

L'annonce a été faite hier: le spectacle à grand déploiement Ecce Mundo des Farandoles (pas du théâtre mais quand même dans la catégorie «art de performances») ne reviendra pas l'été prochain. Une pause décrétée par le conseil d'administration après la diminution des assistances (voir ici une partie de l'article du Quotidien).

Une autre victime de la désaffection du public pour ces grands spectacles. Un peu partout au Québec, dans les régions où de telles productions prenaient l'affiche, le constat est similaire: ce type de spectacles n'attire plus pour diverses raisons. Effet de mode passé. Spectacles gratuits ailleurs. Durée dans le temps.Outre ces éléments, qu'est-ce qui peut être en cause? La forme même? La qualité du spectacle? Je ne saurais me prononcer... après tout, il y a si longtemps que je ne l'ai vu...

Il y a aussi quelques années que la Fabuleuse (et feue sa suite, Les aventures d'un Flo) se débat avec le même genre problème en réussissant année après année pourtant (mais pour combien de temps encore?) à revenir sur les planches...

Quelque chose cloche manifestement... mais il semble que les bonnes questions ne sont pas toujours posées...

Manifestement, nous sommes rendus ailleurs dans l'offre culturelle. Alors, on tire la plogue et on passe à autre(s) chose(s)?

Le critique (suite)

2012-01-09T06:30:00.000-05:00

Critique d'art (Honoré Daumier)

Et je continue, ce matin, avec la suite du billet d'hier portant sur le critique, tiré de l'ouvrage Le Théâtre d'aujourd'hui, paru en 1855 sous la plume d'Auguste Muriel. Et si hier l'auteur faisait part de ses aspirations, il se lance maintenant dans une diatribe contre le critique. Pittoresque.

[...] Pour faire un critique dans un journal de théâtres, vous prenez un jeune homme qui a fait à peu près ses études. Du moment où il sait écrire l'orthographe il est capable de remplir cette noble tâche; vous ne le payez pas et vous avez parfaitement raison, c'est l'estimer à sa valeur. Ce qu'il veut, c'est avoir ses entrées, soit pour obtenir un coup d'œil protecteur des actrices parce qu'il est riche, soit pour assister gratis au spectacle parce qu'il est pauvre; quelques-uns ont pour motif le désir de se mettre bien avec les directeurs pour leur écouler leurs vaudevilles et leurs drames. Vous donnez à ce jeune homme une liste des abonnés du théâtre dont il fait la critique; c'est le livre d'or ; il lui est interdit de toucher à ceux qui y sont inscrits. Il doit savoir choisir dans le dictionnaire une épithète qui reste accolée à leurs noms, comme celles-ci par exemple : X... le délirant comique; la ravissante B... ; le sublime C..., etc., etc. [...]

Il est généralement persuadé de son importance et tâche d'avoir une mise particulière qui le fasse remarquer des spectateurs. — II mettrait volontiers son nom sur son chapeau. Il va au café du théâtre et tranche les discussions des habitués sur la.pièce nouvelle avec une insolence qui en impose aux niais. —Détestable! — ravissant! il ne sort pas de là ; mais le motif de ce résumé d'appréciation? Pour qui le prenez-vous? Il décide, cela doit vous suffire.

Au reste, il faut avouer que les artistes et, le directeur aident beaucoup à propager cette espèce de critiques. [...]

Pauvres jeunes gens qui perdent le temps de l'étude à griffonner du papier sans utilité pour leur style, sans honneur pour leur avenir. [...] Mais il faudrait pouvoir donner des conseils; pour cela il faudrait apprendre, étudier, et la jeune littérature a bien autre chose à faire, elle aime bien mieux écrire sans s'inquiéter de ce qu'elle écrit, cela fatigue moins, demande moins de travail, et puisque le public ne s'en plaint pas, qu'importe!

Le plus dangereux de ces critiques est celui qui subit telles ou telles influences, impose son amour pour un article, et se fait le serviteur du premier nez au vent qui excite sa convoitise. [...]

Et pourtant ces jeunes ignorants qui s'arrogent le droit de juger les autres de par leur porte-monnaie, sont cependant plus amusants que méprisables ; le malheur est que beaucoup de gens se laissent prendre à leurs analyses et entourent encore du même respect la critique et ses pitres ridicules qui se disent ses représentants. [...]

Il y a une autre espèce de critiques; celle-là est cent fois plus méprisable que l'autre; qu'on vende ses louanges pour une somme ou un abonnement, on ne porte préjudice qu'à soi-même, et l'on n'a de comptes à rendre qu'à sa conscience; mais exhaler sa rage contre tout ce qui est beau, fouler aux pieds avec fureur tout ce qui est talent, s'acharner, sans motifs, sans justice, contre ceux qui travaillent pour atteindre une position digne et honorable; accabler d'expressions méprisantes une femme qui a eu le bon goût ou la vertu de refuser votre hommage; s'acharner après une direction parce qu'elle ne vous accorde pas vos entrées ou n'accepte pas vos pièces, c'est là un métier honteux et méprisable; si l'on est un petit de la presse, c'est de l'envie, et l'envie est un vice qui répugne-, si l'on est puissant dans le journalisme, c'est une infamie et une lâcheté, parce qu'on use pour le mal du pouvoir que l'esprit vous a donné pour le bien; et combien de gens se servent de ce moyen pour se créer un nom à l'abri des talents qu'ils attaquent, parce qu'un jour vient où, fatigués d'entendre aboyer après leurs jambes, ceux-ci se retournent et chassent l'importun à coups de pied, ce qui lui donne le droit de crier plus fort. Disons bien vite, pour l'honneur du critique, que c'est là une exception très-rare, et que le mépris en fait vite justice. [...]

Aussi ne le voyez-vous aux premières représentations que dans les foyers des coulisses, où il écoute les histoires scandaleuses et pince le menton à l'actrice en vogue ; quelquefois il se chauffe les pieds dans le foyer du théâtre, afin de faire voir qu'il était là, et pouvoir dire le soir dans les salons, en bâillant et s'essuyant le front :

— Quel métier! mon Dieu! quel métier!

Et franchement, dans un autre sens, nous dirons absolument comme lui :

— Quel métier!

Le critique

2012-01-08T08:31:00.001-05:00

Voici l'un de mes sujets de prédilection: la critique dramatique. Parce que je déplore sa quasi absence. Parce que j'aspire à une plus grande participation de celle-ci (comme il se devrait). Parce que, finalement, c'est devenu une véritable lubie pour ma part.

Le critique d'art (Honoré Daumier)

Cette fois, il s'agit d'un chapitre (allégé!) d'un petit bouquin (qu'on peut retrouver ici) paru en 1855 par Auguste Muriel, rédacteur en chef de la Presse Théâtrale, Le Théâtre d'aujourd'hui - l'auteur, le directeur, l'acteur, l'actrice, le critique, le public. J'y crois encore!

Le critique. L'homme qui doit fixer le goût du public, celui qui a pour mission de diriger l'art, d'en montrer les débauches et les beautés, la plus sérieuse et la plus honorable des missions.

Quelle immense influence a le critique, que de bonnes choses il peut faire, que de mauvaises il peut empêcher! Ses études ont une application constante; le public a confiance en ses jugements et ne se décide en faveur d'une pièce qu'après avoir pris conseil de lui.
À la première représentation il est là, assis dans un coin obscur, s'isolant le plus possible de toute distraction; il suit avec une attention sérieuse les progrès de la pièce, il en cherche les ressorts, il épie les fautes, note les passages remarquables, cherche s'il n'y a pas un point de ressemblance avec des œuvres connues ; s'il sent une fâcheuse tendance de style, il la grave dans sa mémoire pour la reprocher à son auteur. Bienveillant sans faiblesse, sévère sans dureté, juste toujours, il prépare les matériaux qui formeront sa décision.

Il revient le lendemain, et alors il étudie le jeu des artistes à leur tour. [...] ce qu'il cherche, ce qu'il voit, c'est la manière dont leurs rôles sont remplis, et ses louanges et ses reproches tomberont juste, seront appuyés sur des considérations détaillées, sur des observations précises, seront présentés comme des conseils et ne se formuleront pas par une épithète banale.

Puis, rentré chez lui, le critique relira ses notes, se rappellera ses impressions, les examinera froidement, recherchera dans tel auteur les jugements portés en pareil cas, compulsera, comparera, étudiera et fera son article en toute connaissance de cause et de telle sorte que tout le monde puisse reconnaître la justesse de ses appréciations.

Voilà le critique!

Que cherchez-vous ainsi autour de vous? Vous vous demandez avec étonnement qui j'ai voulu peindre ici.

Ne cherchez pas, vous fatigueriez inutilement vos yeux et votre mémoire. Je vous ai peint le critique tel qu'il n'est pas et devrait être; voyons-le un peu tel qu'il est aujourd'hui, et si vous y trouvez un seul trait de ressemblance avec le portrait que je viens de faire, soyez assuré que je me trompe et que je vois avec trop d'indulgence.

Et ça continue encore sur quelques pages... que je publierai demain pour ne pas faire un billet trop long...

«Sortez le bouffon! »

2012-01-07T12:21:00.000-05:00

Sortez le bouffon !dessin de Schot paru dans NRC Handelsblad

J'aime bien lire le Courrier International... une revue synthèse hebdomadaire des grands médias papiers partout dans le monde. Et ce qui est bien avec cette revue, c'est tout l'apport des caricaturistes étrangers (qu'on peut retrouver sur leur site)... comme cette théâtrale image du bouffon Berlusconi (avec un chapeau aux grelots significatifs...) qu'on pousse vers la sortie.

Espace(s)

2012-01-06T08:22:00.004-05:00

Il est de l'espace au théâtre comme d'une chose parfaitement changeante, selon le point de vue adopté et selon les visées du lecteur ou du metteur en scène. Car l'espace est mouvant. Et le choix de donner la priorité à l'un d'entre eux influe directement sur l'esthétique choisie.

Dans son Dictionnaire encyclopédique du théâtre - ma bible -, Michel Corvin (enfin, Anne Ubersfeld... l'auteure de l'article) y va de ces distinctions:

Si le comédien est l'élément fondamental au théâtre, il ne saurait exister sans un espace où se déployer; et l'on peut définir le théâtre comme un espace où se trouvent ensemble des regardants et des regardés et la scène comme l'espace des corps en mouvement. L'espace théâtral comprend acteurs et spectateurs, définissant entre eux un certain rapport. L'espace scénique est l'espace propre aux comédiens; le lieu scénique est cet espace en tant qu'il est matériellement défini; l'espace dramatique, lui, est une abstraction: il comprend non seulement les signes de la représentation, mais toute la spatialité virtuelle du texte, y compris ce qui est prévu comme hors-scène.

En d'autres termes, si on reprend la pyramide à partir d'en bas... Dans le texte il est question d'une cuisine. Cette cuisine est décrite avec son mobilier et ses différentes portes donnant sur un ailleurs. C'est l'espace dramatique. Puis, on voit, sur scène, une table et un mur de portes. C'est l'espace physique ou le lieu scénique. Ce lieu est limité par un cadre précis, la scène. Avec sa dimension, ses coulisses. Cette aire de jeu est dans un espace plus grand, le théâtre.

Ubersfled va plus loin dans son article:

[...] [De nos jours] l'espace théâtral n'est plus un donné, il est une proposition, où peuvent se lire une poétique et une esthétique, mais aussi une critique de la représentation, et du même coup la lecture par le spectateur de ces espaces-créations le renvoie à une nouvelle lecture de son espace socioculturel et à la limite de son rapport au monde. Dans tous les cas, l'espace théâtral joue un rôle de médiation entre le texte et la représentation, entre les divers codes de la représentation, entre les moments de la scène (comme espace-temps unificateur), enfin entre spectateurs et comédiens.

Cette question, je la trouve intéressante. Parce qu'il en va de même, au fond, de tous les éléments théâtraux tout au long du processus qui transforme l'écriture textuelle en écriture scénique.

De l'ennui... encore...

2012-01-05T08:13:00.001-05:00

Alfred de Musset, en son temps (et je prends ici quelques raccourcis, parce que là n'est pas l'objet de mon billet), écrivait des pièces réputées injouables - qui se heurtèrent, comme Les nuits vénitiennes, à l'échec - ou ambigües, complexes, comme son Lorenzaccio (écrit en 1834 mais joué qu'en 1896...) .

Toujours est-il que l'orgueilleux dramaturge, désenchanté par la chose théâtrale, mets une croix sur la scène et, au lieu de faire jouer ses pièces, les publie dans un recueil sous le titre Un spectacle dans un fauteuil.

Voici comment, dans un sonnet savoureux, il règle son cas au théâtre:

Au lecteur du «Spectacle dans un fauteuil»

Figure-toi, lecteur, que ton mauvais génie

T'a fait prendre ce soir un billet d'Opéra.

Te voilà devenu parterre ou galerie,

Et tu ne sais pas trop ce qu'on te chantera.

Il se peut qu'on t'amuse, il se peut qu'on t'ennuie;

Il se peut que l'on pleure, à moins que l'on ne rie;

Et le terme moyen, c'est que l'on bâillera.

Qu'importe? c'est la mode, et le temps passera.

Mon livre, ami lecteur, t'offre une chance égale.

Il te coûte à peu près ce que coûte une stalle:

Ouvre-le sans colère, et lis-le d'un bon œil.

Qu'il te déplaise ou non, ferme-le sans rancune;

Un spectacle ennuyeux est chose assez commune.

Et tu verras le mien sans quitter ton fauteuil.

Du plaisir

2012-01-04T09:16:00.000-05:00

Thomas Ostermeier. Photographe: Falko Siewert

Ce qui doit primer, c'est la dimension ludique, le fait que le théâtre ne doit pas être un espace de souffrance, mais un espace de vie et de joie, la joie du jeu vivant, du jeu accéléré, rythmique, explosif, avec un montage d'attractions, avec quelque chose qui est plus vivant que la vie. C'est cet aspect du théâtre de Meyerhold que je revendique.

Bravo, Thomas [Ostermeier... le mi-jeune metteur en scène allemand qui co-dirige artistiquement la Schaubühne de Berlin]! C'est un metteur en scène pro-meyerholdien... une référence contemporaine pour mes recherches. Toujours est-il que cette philosophie théâtrale me plaît bien et se rapproche sensiblement de la mienne... Elle est tirée du petit ouvrage simplement titré Thomas Ostermeier paru en 2006 aux éditions Actes Sud-Papiers.

Bientôt... bientôt...

2012-01-03T11:25:00.000-05:00

Plate à mort...

2012-01-03T08:19:00.004-05:00

Dans le dernier numéro de la revue Jeu (paru il y a quelques semaines), un dossier est consacré à l'ennui au théâtre. C'est dans ce cadre que Paul Lefebvre écrit un petit article satirique, Comment survivre à un mauvais spectacle de théâtre, où il donne dix trucs tous plus excentriques les uns que les autres avec moult explications: dormir; observer des détails; refaire la production; fantasmer; repérer les ex; jouir des tics; regarder l'heure; faire des exercices; simuler un grave malaise...

Et le dernier... et non le moindre:

Mourir

C’est radical : il s’agit de prendre au pied de la lettre l’expression « c’est plate à mort ». Efficacité garantie : le show disparaît, vous aussi et l’ennui du même coup. L’auteur de ces lignes a déjà eu un voisin de siège qui, pendant la représentation d’un Beckett, a ainsi décidé de tuer son ennui en mourant sur place. (Sans même avoir l’élémentaire délicatesse de prévenir sa conjointe, ce qui était quelque peu déplorable : elle chuchotait à pleins poumons «Henri ! Henri ! Que c’est que t’as ? ». C’était agaçant.) Ce spectateur a pris la peine de mourir subitement, ce qui est la façon correcte : si la scène est l’endroit rêvé pour longuement agoniser, il n’en est pas de même pour la salle. Cette solution a aussi l’avantage non négligeable de créer une brève distraction, qui pourra dissiper pendant un court instant l’éventuel ennui affligeant des spectateurs assis près de vous.

L'article complet est publié sur le blogue de la revue. À la lecture, on peut fort bien s'imaginer ces situations qui, malgré le côté caricatural de la chose, nous sont parfois connues...

Alors, ce 2012?

2012-01-02T12:57:00.003-05:00

Bon. C'en est fini du temps des Fêtes pour cette année-là. Et après tout, aujourd'hui, c'est lundi. Il faut donc sortir un peu des vapeurs de l'alcool et l'orgie gastronomique. Maintenant est venu le moment de regarder ce qui s'en vient... disons pour les prochaines semaines et les prochains mois...

D'abord, parce que ça demeure mon principal employeur, il y a encore le Théâtre 100 Masques et sa direction générale et artistique. Avec nos ateliers (réguliers, scolaires, pour aînés). Et avec nos projets: la résidence intensive, pour The Mélanie's Show, et la reprise (et la sortie française!) de Il faut qu'une porte soit ouverte ou fermée d'après Alfred de Musset.

Par ailleurs, d'ici quelques jours, nous déposerons un projet dans le cadre du 175ième anniversaire du Saguenay-Lac-Saint-Jean. Et alors qu'entreront les différentes réponses aux différentes demandes de subventions, nous en ferons d'autres et nous préparerons activement pour la tenue de nos activités estivales - soit La Marmite de Plaute sous la direction d'Élaine Juteau et nos camps de théâtres thématiques - et pour la programmation de la saison 2012-2013.

Je dis «nous»... mais dans les faits, pour les trois ou quatre prochains mois à venir, ce sera plutôt «eux», mon équipe. Parce que moi, je serai dans la préparation de mes cours - Dramaturgie et mise en scène et Atelier de production - et dans la participation à des activités connexes. Un retour aux sources universitaires... bien qu'avec le doctorat (même mis un peu en plan), je ne l'ai jamais vraiment quittées encore!

Pour ma part, je poursuivrai sans doute le tenue de ce blogue... bien que les sujets me manquent parfois (et ce, de plus en plus souvent). J'aimerais avoir des collaborateurs, un comité de rédaction... ou un comité mis en place dans le but de me fournir du matériel. J'aimerais aussi me procurer une caméra-vidéo et un logiciel de montage simple, efficace... et gratuit! pour faire de petites capsules. Diversifier le contenu... tout en revenant un peu plus sur des sujets locaux, nationaux.

Enfin, il reste, sur la table, de nombreuses activités de concertation à venir. Et elles viendront. En temps et lieux.

Ça commence donc comme ça. 1, 2, 3, go!

Du théâtre comme d'un sanctuaire de l'impudicité...

2012-01-02T08:49:00.002-05:00

Un autre morceau de fiel contre le théâtre - un type de littérature que j'aime bien par le style et la fureur - rédigé par un des Pères de l'Église, Quintus Septimus Florens Tertullianus, dit Tertullien dans son De Spectaculis (qu'on peut lire ici).Une petite lecture qui nous reporte à la fin du second siècle et au début du troisième.

De même on nous commande de renoncer à toute sorte d’impureté: on nous ferme donc le théâtre, qui est, à proprement parler, le sanctuaire de l’impudicité, où l’on n’approuve que ce qui est désapprouve partout ailleurs. Aussi le plus grand charme du théâtre consiste d’ordinaire dans le spectacle des plus grandes infamies. Ce sont ces infamies que représente, ou un Toscan par ses gestes impudiques, ou un comédien aidé par des femmes, auxquelles il fait fouler aux pieds la pudeur de leur sexe, et qui ne rougissent pas sur lascène de ce qui les couvrirait de honte dans tout autre lieu; ou un pantomime, par les poses indécentes auxquelles on a accoutumé son corps dès l'enfance, afin qu’il pût en donner aux autres des leçons. Bien plus, ces misérables victimes de l’impudicité, qui ont prostitué leur corps au public, ne paraissent-elles pas aussi sur le théâtre, d’autant plus misérables, que ne découvrant ailleurs leur turpidité qu’aux hommes, ici elles la font paraître aux yeux des autres femmes, à qui elles avaient eu soin de se cacher jusqu’alors. On les expose à la vue de gens de tout âge et de toute dignité. De plus, un crieur public annonce ces courtisanes à ceux qui ne les connaissent déjà que trop. Voilà, dit-il, la loge d'une telle, il faut donner tant pour la voir : elle a telle et telle qualité. Mais passons sous silence des infamies qui devraient être ensevelies sous les plus épaisses ténèbres, afin que le jour même n'en fût pas souillé. Cependant, vous sénateurs , vous magistrats, vous citoyens romains, rougissez de honte et de confusion! Et ces malheureuses, qui ont étouffé en elles toute pudeur, qu’elles craignent de montrer au grand jour, aux yeux du peuple entier, les indécences de leurs gestes , et qu’elles rougissent au moins une fois l’an. Si donc nous devons avoir en exécration toute sorte d’impureté, pourquoi nous sera-t-il permis d'entendre ce qu'on ne saurait dire sans crime? sachant d'ailleurs que Dieu condamne toute plaisanterie et toute parole inutile. Pourquoi nous sera-t-il permis de regarder ce qu’il nous est défendu de faire ? Pourquoi les mêmes choses qui souillent l’homme par la langue ne le souilleraient-elles point par les yeux et par les oreilles? Les oreilles et les yeux sont comme les avenues de notre ame, et il est difiicile que le cœur soit bien net, lorsque les voies en sont corrompues. Voilà donc le théâtre interdit dès là que l’impureté est condamnée.

Qu'on se le tienne pour dit!

Pour nos scènes et pour le milieu en 2012!

2012-01-01T00:00:00.000-05:00

Quelques souhaits pour l'année qui commence à peine!

Pour les compagnies de théâtre de la région, de Roberval à Chicoutimi en passant par Jonquière et ailleurs dans la région... pour la Rubrique, les Têtes Heureuses, les Amis de Chiffon, le C.R.I., le 100 Masques, le Faux Coffre, la Tortue Noire, le Théâtre À Bout Portant, ManiganSes, la R.I.A. et le Mic Mac... de belles productions avec un financement adéquat et des salles pleines!

Pour les directions et les administrateurs, du courage, de la persévérance et de l'imagination pour la suite des choses...

Pour les compagnies du Saguenay, sous la houlette des Têtes Heureuses, bien du plaisir à Lyon en mars qui vient...

Pour les auteurs,bien des mots... et surtout, du temps!

Pour les metteurs en scène, de bons textes, de belles équipes, de beaux défis et des concepteurs attentifs et talentueux...

Pour les concepteurs, de bons textes, de belles équipes, de beaux défis et des metteurs en scène qui savent où ils s'en vont...

Pour les acteurs, de la rigueur, du plaisir, de la confiance... et de nombreux contrats...

Pour les professeurs en théâtre, des étudiants consciencieux pour absorber toute la passion qui vous anime...

Pour les étudiants en théâtre, de bons professeurs!

Pour les spectateurs, du plaisir dans toutes nos salles... et parfois, une légère gêne!

Pour les chroniqueurs culturels, de la curiosité pour ce qui se fait et surtout, de l'intérêt... et plus encore, de la continuité pour ceux qui sont en place... et encore une fois, de l'espace!

Pour les subventionneurs, des augmentations substantielles des enveloppes budgétaires, de la souplesse et une générosité qui se prendra fort bien...

Pour tous les passants sur ce blogue, la poursuite de cette bonne habitude!

Pour ceux qui ignorent l'existence du théâtre, une illumination soudaine.

Pour Benoît, Lyne, Serge L., Stéphane, Josée L., Isabelle, Rodrigue, Hélène B., Geneviève, Éric C., Blaise, Guylaine, Serge P., Andrée-Anne, Sara B., Sophie, Hélène D., Jeannot, Pierre, Pascal, Martin, Éric L., Patrice, Francine, Gervais, Réjean, Christian R., Sonia, Joan, Stéphane D., Mélanie T., Jean-Sébastien, Benoît B., Charles, Christian O., Dany, Martin G., Sara M., Vicky C., Erika, Anick, Élaine, Mélanie P., Alexandre, Jean-Paul, Valérie, Patrick, Maude, Jacynthe, Jimmy, Josée G., Véronique, Ursule, Marilyne R., Marilyne T., Émilie GG, Marie-Noëlle, Frédéric, Marc-André, Carolyne et tous les autres qui devraient être nommés ici,

BONNE ET HEUREUSE ANNÉE 2012...

SUR LES PLANCHES

ET DANS LES COULISSES DE LA VIE!!!

Les critiques de théâtre en activité au Québec

2011-12-30T09:41:00.001-05:00

Voici la liste ds critiques de théâtre en activité dressée par l'Association Québécoise de Critiques de Théâtre (AQCT) et publiée sur leur page Facebook... et j'en suis (à la fin)!

24h / www.24hmontreal.canoe.ca

Pascale Gauthier

98.5 FM / www.985fm.ca

Émilie Perreault

L’Actualité / www.lactualite.com

André Ducharme

L’Aut’journal / www.lautjournal.info

Marie-Paule Grimaldi

The Charlebois Post / www.charpo.blogspot.com

Gaetan L. Charlebois

CIBL / www.cibl1015.com

Marie-Paule Grimaldi

Anne-Marie Grondin

CKRL (Québec) / www.ckrl.qc.ca

Robert Boisclair

Jacqueline Bouchard

Hélène McClish

CKUT / www.ckut.ca

Marie-Andrée Parent

Estelle Rosen

Le Délit / www.delitfrancais.com

Katia Habra

Le Devoir / www.ledevoir.com

Michel Bélair

Alexandre Cadieux

Philippe Couture

Marie Labrecque

Sylvie Nicolas (Québec)

Le Droit / www.cyberpresse.ca/le-droit

Maud Cucchi

Esse / www.esse.ca

Catherine Cyr

Être / www.etremag.com

François Bernier

The Gazette / www.montrealgazette.com

Pat Donnelly

Hour Community / www.hour.ca

Anna Phelan

Jeu / www.revuejeu.org

Patricia Belzil

Raymond Bertin

Étienne Bourdages

Marie-Andrée Brault

Alexandre Cadieux

Philippe Couture

Catherine Cyr

Hélène Jacques

Christian Saint-Pierre

Michel Vaïs

Daphné Bathalon

Hélène Beauchamp

Johanne Bénard

Jacqueline Bouchard (Québec)

Françoise Boudreault

Josianne Desloges (Québec)

Yves Doyon

Hervé Guay

Yan Hamel

Marie-Christiane Hellot

Aurélie Olivier

Pierre Popovic

Brigitte Purkhardt

Lucie Renaud

Alain-Martin Richard (Québec)

Louise Vigeant

Le Journal de Montréal / www.lejournaldemontreal.canoe.ca

Benoit Aubin

Louise Bourbonnais

Judith Plamondon

Le Journal de Québec / www.lejournaldequebec.canoe.ca

Denise Martel

Métro Montréal / www.journalmetro.com

The Mirror / www.montrealmirror.com

Neil Boyce

MonThéâtre.qc.ca / www.montheatre.qc.ca

Daphné Bathalon

Olivier Dumas

Sara Fauteux

David Lefebvre

Odré Simard (Québec)

Mélanie Thibault

Sophie Vaillancourt Léonard (Québec)

Montréal Campus / www.montrealcampus.ca

Carl Desharnais-Gervais

Thomas Dupont-Buist

Montréal Express / www.montrealexpress.ca

Simon Laroche

Nightlife / www.nightlife.ca

Marine Anaïs

Pieuvre.ca / www.pieuvre.ca

Hugo Prévost

La Presse / www.cyberpresse.ca

Luc Boulanger

Jean Siag

Alexandre Vigneault

Le Quatrième / www.lequatrieme.com

Yves Rousseau

Radio-Canada / www.radio-canada.ca

Valérie Cloutier (Québec)

Claude Deschênes

Jean-Sébastien Girard

Francine Grimaldi

Isabelle Guilbeault (Québec)

Karyne Lefebvre

Annie-Soleil Proteau

Mélanie Riendeau (Gatineau)

Katerine Verebély

Radio Centre-Ville / www.radiocentreville.com

Nathalie de Han

La Revue (Gatineau) / www.info07.com

Patrick Voyer

Sage Gamin / www.sagegamin.blogspot.com

Samuel Larochelle

Le Soleil / www.cyberpresse.ca/le-soleil

Josianne Desloges

Éric Moreault

Spirale / www.spiralemagazine.com

Gilbert David

Hervé Guay

Télé-Québec / www.telequebec.tv

Elsa Pépin

Voir / www.voir.ca

Sophie Joli-Coeur

Marie Laliberté (Québec)

Claudia Larochelle

Dario Larouche (Saguenay/Alma)

Josiane Ouellet (Québec)

Elsa Pépin

Jean-Thomas Tremblay (Gatineau)

Sur nos scènes (et dans le milieu!) en 2011...

2011-12-30T06:00:00.000-05:00

Et on continue au chapitre des bilans...

2011, c'est, selon le billet d'hier, 24 productions locales originales et plus d'une douzaines de reprises (de productions locales, toujours...) dans différents contextes: en salle fixe pour une nouvelle série de représentations, sorties uniques, sorties dans le cadre de festivals, tournée québécoise et canadienne. Une année encore chargée pour une région dite éloignée...

2011, c'est, en ce sens, l'année «Patrick Simard», «Vicky Côté» et «Mélanie Potvin»... alors que ces comédiens ont enchaîné les projets tout au fil des mois, pour diverses compagnies...

2011, c'est le lancement, lors de la journée mondiale du théâtre, après plusieurs mois de gestation, de la vidéo promotionnelle commune à sept des huit compagnies de théâtre au Saguenay avec, pour slogan, Saguenay, des théâtres à fréquenter! (qu'on peut retrouver ici)...

2011, c'est le lancement de la carte privilège offerte à moindre prix (5$) à tous les travailleurs culturels, leur octroyant un rabais (souvent le prix étudiant) chez les compagnies participantes...

2011, c'est la tenue du premier Forum sur le théâtre au Saguenay-Lac-Saint-Jean, en juin dernier (on peut retrouver les documents ici), où près d'une soixantaine de personnes se réunissent pour discuter du théâtre. Une première édition qui, bien qu'un peu décevante sur les discussions, permet néanmoins de dégager huit enjeux qui seront repris, à compter de l'automne, par divers comités pour faire évoluer les choses. Un autre forum est prévu au printemps 2012 pour faire le point...

2011, c'est la fin définitive des Aventures d'un Flo et la résurrection de La Fabuleuse histoire d'un Royaume, après quatre ans d'absence. L'ère des grands spectacles pourra-t-elle reprendre un élan qui semble faire défaut? (En ce sens, toujours, Ecce Mundo annonçait, il y a quelques jours, qu'un comité se réunirait bientôt pour décider du sort de cette autre grande revue saguenéenne...)...

2011, c'est l'été où Arthur Villeneuve reprend vie sous les traits de Benoît Lagrandeur (dans la production du CRI La Légende d'Arthur) alors qu'Hélène Bergeron remonte sur scène après plusieurs années d'absence pour incarner son épouse...

2011, c'est une année assez stable dans les différentes administrations des différentes compagnies... si ce n'est du départ de Jean-François Caron de la Rubrique et l'arrivée de Stéphane Boivin aux communications du même organisme.

2011, c'est l'année des améliorations locatives au Petit Théâtre de l'UQAC de même qu'au Studio-Théâtre...

2011, c'est l'année où le Mérite scientifique régional crée un prix pour les arts et la culture, le prix François-Brassard, et dont Rodrigue Villeneuve devient le premier bénéficiaire en reconnaissance de son implication dans la constitution d'un milieu culturel professionnel...

_____________________________________________________

2011, c'est peut-être autre chose que j'oublie... en ce cas, on peut les ajouter par le biais des commentaires...

Sur nos scènes en 2011...

2011-12-29T06:00:00.000-05:00

Comme à chaque année, je profite des derniers jours de décembre pour dresser le bilan de l'année qui s'achève. Je débute donc par faire la recension (la plus exhaustive possible... à partir des calendriers hebdomadaires publiés sur ce blogue) de toutes les productions régionales (à caractère professionnelles... et j'inclus ici les productions universitaires qui sont, en quelques sortes le prélude à bien des démarches et les productions dites amateures d'envergure) qui ont marqué le paysage théâtral régional en 2011.

Pour marquer d'un simple regard les différentes catégories qui émaillent cette liste, je propose donc cette petite légende: les productions professionnelles et recherches, les productions de loisirs et autres événements, les productions académiques.

Voici donc avec les productions locales (excluant pour le moment les reprises)...:

Les sens (La Rubrique)
Le Contre Cabaret (Faux Coffre)
Silence majuscule (UQAC-BIA-William Gagnon)
Je fais mon chemin (UQAC-BIA-Gabrielle Noumeir-Gagnon)
La foire aux femmes (UQAC-BIA-Sophie Châteauvert)
Que l'inoubliable se pende (UQAC-BIA-Élaine Juteau)
Recto-Verso (collectif)
Antigone (100 Masques)
La Visite ou surtout sentez-vous pas obligé de venir (Mic Mac)
La Tempête (UQAC-BIA-Production)
La route des milles et une histoires (Jimmy Doucet)
La légende d'Arthur Villeneuve (CRI)
L'Affaire de la rue Lourcine (100 Masques)
Oh! Cabaret (collectif)
La fabuleuse histoire d'un Royaume (Ville Saguenay)
Couples (St-Félicien)
Fausser (Les Poulpes)
Binômes (UQAC-Chaire)
Le Bain (UQAC-Maîtrise-Erika Brisson)
Pour la fuite des choses (CRI-À Bout Portant)
L'Hôtel du Libre Échange (Têtes Heureuses)
L'éclaireur (Amis de Chiffon)
Porosité-La densité de la matière (UQAC-Maîtrise-Anick Martel)
On se casse les noisettes (100 Masques)

À ces productions locales s'ajoutent les différentes reprises qui ont ponctué le calendrier de même que les sorties et les tournées:

Les lectures de Diogène (Faux Coffre)
En attendant l'dégât d'eau (Faux Coffre)
Trac: ma vie en théâtrascope (Faux Coffre)
Le conte bancaire de Piedestal (Faux Coffre)
Carton rouge sur carré vert (Amis de chiffon)
Le déclin des soleils de glace (À Bout Portant)
Rage (À Bout Portant)
Kiwi (Tortue Noire)
Le Petit Chaperon Rouge en huit minutes ralenties (Tortue Noire)
Le Grand Oeuvre (Tortue Noire)
La Défonce (Mic Mac)
Il faut qu'une porte soit ouverte ou fermée (100 Masques)
Une maison face au Nord (La Rubrique)

Ça donne pas mal le ton de l'année qui prendra fin dans quelques heures. Peut-être ai-je oublié quelques productions en chemin... si c'est le cas, il est possible de les ajouter par le biais des commentaires. Une chose est sûre: ce que j'ai pu en manquer, de ces productions!

Sur les saluts des comédiens...

2011-12-28T09:32:00.001-05:00

Petit trait d'humour (tout aussi drôle que véridique!) venu du savoureux Petit lexique amoureux du théâtre par Philippe Torreton portant essentiellement sur le salut des comédiens à la fin d'une représentation. Sa description replongera assurément plusieurs artisans dans de nombreuses situations vécues dans diverses productions!

Salut: [...] Les saluts s'organisent toujours au dernier moment, par superstition, sans doute. C'est chiant comme un plan de table et, comme avec les plans de table, vous faites toujours des déçus.

C'est un casse-tête qu'il faut solutionner en peu de temps et dans la tension des derniers instants de répétition.

Pour les premiers saluts, les rôles principaux se retrouvent généralement au milieu, même s'ils font semblant de vouloir le contraire, suivis par les autres personnages en ordre d'importance jusqu'aux petits rôles en bout de ligne qui font tout aussi semblant de trouver ça normal de se retrouver en bout de ligne.

Pour les suivants, il est prévu plusieurs chorégraphies plus ou moins assumées par les acteurs afin de varier l'ordre, et, dans un élan de générosité divine, que les derniers se retrouvent les premiers. [...]

Et ça se poursuit avec la description des différents types de comédiens et de leur(s) pensée(s) durant cet exercice rituel... À lire et relire!

La Duse

2011-12-27T09:13:00.001-05:00

Parmi les grandes actrices de l'histoire universelle du théâtre se retrouve une autre contemporaine (italienne) de l'époque de Sarah Bernhardt: Eleonora Duse.

Voici une petit vidéo (en italien...) avec images de cette grande dame... après un petit passage par le Dictionnaire encyclopédique du théâtre de Michel Corvin:

DUSE Eleonora (Vigevano 1858 - Pittsburg, Pennsylvanie 1924). Comédienne italienne condidérée comme la plus grande actrice de son époque, et, mythiquement, de tous les temps. Rivale de Sarah Bernhardt, pour laquelle elle garda toujours une admiration profonde.

[...] Dépourvue de tous les moyens physiques et vocaux que l'on demandait à une grande actrice («elle n'a rien que son génie», dit Shaw), son jeu impressionna les contemporains. On voyait en elle le modèle non seulement de la nouvelle comédienne, mais aussi de la femme moderne, chétive et névrosée. En effet, on n'arrivait pas à distinguer dans son jeu mélangé d'artifice et de réalité absolue ce qui revenait au rôle et ce qui, au contraire, appartenait à la femme dont les souffrances et surtout le douloureux vide spirituel s'étalaient au grand jour sur la scène. [...]

Enfin, une petite anecdote tirée du recueil Gens de théâtre que j'ai connus, de Michel Georges-Michel paru au début des années 40, où il raconte sa dernière rencontre avec la Duse (morte en 1924) et sa visite au cimetière.

Le peintre italien Piero Tolentino m'a conduit, plus tard à Asolo, ville natale de la Duse, et m'a montré sa tombe.

C'est sur un promontoire, qui, d'un côté domine toute la Venitie jusqu'à la mer. Mais la pierre est tournée vers le monte Grappa où s'accrocha la résistance italienne, pendant la guerre de 1914-1918.

Quelques cyprès, une dalle avec ce nom: ELEONORA DUSE.

- Elle a elle-même choisi la place, nous dit le vieux gardien du cimetière, la place exacte où elle aimait à méditer durant des heures. Depuis sa mort, il est venu ici plus de monde que depuis qu'Asolo existe.

- Et simplement son nom, Duse, sur cette pierre? Pas même une date?

- Inutile: elle est dans l'éternité.

Le plus important...

2011-12-26T08:59:00.003-05:00

J'aime bien ces passages (pp.198-200) tirés de l'[auto]biographie d'André Brassard - tout simplement titrée Brassard - écrite par Guillaume Corbeil (mais à la première personne...) où l'incontournable metteur en scène québécois décrit sa vision du théâtre... et plus spécialement, des relations entre ses artisans. Une vision simple qui ne se dément pas... et qui conforte les choix que je peux faire.

Le théâtre exige une grande générosité sur le plan émotif, un état d'impudeur presque total. De la part du metteur en scène et des acteurs. Travailler sur un texte, on fait ça à âme ouverte [...]. Avec pour résultat des rencontres souvent exceptionnelles et même de très grandes amitiés. [...]

Je dois dire qu'un des grands privilèges d'être metteur en scène, c'est de pouvoir choisir avec qui on travaille. On s'entoure des gens qu'on aime, et nos affinités sont souvent bien plus importantes que leurs aptitudes techniques ou leur spécialisation professionnelle. Bien sûr on veut qu'au final le spectacle soit bon. Mais pour ça, il ne suffit pas de réunir tous les plus grands spécialistes de chaque domaine: le meilleur acteur pour jouer tel type de personnage, le meilleur scénographe, le meilleur éclairagiste, le meilleur costumier... Monter un spectacle, ce n'est pas du côté technique que ça se passe. Pendant plusieurs semaines, on va littéralement vivre avec certains individus. Ce qui se passe entre les êtres [...], ce sera toujours plus important que le reste.

Je trouve que c'est là une belle leçon. Et on revient à l'idée de la prédominance du plaisir dans ce métier: plaisir collectif, plaisir du texte, plaisir de la scène. Les irritants n'ont pas leur place.

Les inconvénients de faire un boeuf à deux...

2011-12-23T18:45:00.003-05:00

Le titre du présent billet est aussi le sous-titre d'un chapitre fort édifiant des Anecdotes de théâtre: comédiens-comédiennes; bons mots des coulisses et du parterre recueillis par Louis Loire, en 1875. Un petit divertissement à l'aube (enfin, dans quelques heures...) des festivités...

Le domestique de Favart, passionné pour le théâtre, voulait absolument jouer la comédie. On lui fit représenter la moitié d'un bœuf dans une parodie de l'opéra de Thésée. Expliquons-nous:

La monture du héros était le Bœuf gras, figuré par une machine de carton qui se mouvait au moyen de deux hommes renfermés dans son intérieur; le premier un peu incliné, le second la tête appuyée sur la chute des reins de son camarade.

Léger — c'était le nom de ce domestique-artiste— avait obtenu l'honneur de «jouer» le rôle des «jambes de devant». Par malheur, pour atténuer les émotions d'un début, le gaillard avait copieusement dîné, et la position que nous avons décrite ne lui permit pas de retenir une flatuosité qui faillit suffoquer son «suivant». Celui-ci, dans un mouvement de colère et pour se venger de l'effet sur la cause, mord ce qu'il trouve sous ses dents. Léger pousse un rugissement et, par un brusque mouvement, se soustrait à ce supplice; le bœuf se sépare en deux, et le superbe Thésée tombe tout de son long sur la scène.

Il n'y a pas besoin de dire que la représentation fut gravement compromise.

Qui n'a pas eu cette idée quand il a devant les yeux un tel costume à double incarnation?

«La Marmite» [Carnet de production]

2011-12-22T17:27:00.001-05:00

Nouvel intitulé de billets, parce que je ne signerai pas la mise en scène de la prochaine production estivale du Théâtre 100 Masques. Non. J'ai confié les rênes - ou plutôt l'anse! - de La Marmite de Plaute à Élaine Juteau, qui a terminé l'an dernier au BIA en théâtre de l'UQAC.

Et aujourd'hui, après qu'elle ait fixé ses besoins et qu'on ait fait quelques appels, je peux annoncer officiellement la distribution de ce prochain spectacle tout féminin, encore une fois... : Isabelle Boivin, Émilie Gilbert-Gagnon, Cynthia Bouchard, Valérie Essiambre, Marilyne Renaud et Andrée-Anne Giguère.

Cette gang de filles se lanceront donc dans la comédie antique... la seconde de la compagnie (après L'Assemblée des femmes d'Aristophane, il y a deux ans).

Pour ma part, j'agirai à titre de concepteur esthétique (l'équipe reste à combler pour le moment) et, bien entendu, à titre de directeur artistique (et, par extension, à titre de producteur).

D'où le glissement de [Carnet de mise en scène] à [Carnet de production].

Pour terminer, ça n'a absolument aucun rapport, mais voici le vidéo du grand succès de Dario Moreno, La Marmite.

Une histoire du théâtre au Québec...

2011-12-22T07:50:00.003-05:00

Voici, en quelques mots brefs (et réalistes), l'histoire du théâtre au Québec (et sa conséquence... soit la «place» qu'il occupe dans l'imaginaire collectif), par Jacques Lacoursière et Claude Bouchard, dans Notre histoire: Québec-Canada, paru dans les années 60.

L'histoire du théâtre canadien, tant d'expression française qu'anglaise, est désespérément triste, parce qu'avant le début du second quart du vingtième siècle, la faveur populaire va aux divertissements de scène les plus disparates et rien ne s'arrange pour cet art, après l'arrivée du cinéma. La conclusion la plus dramatique est que les édifices construits pour le théâtre sont transformés, pour la plupart en salles de cinéma.

Traitant de ces transformations, le critique Jean Béraud écrit en parlant de Montréal après 1908: «C'est d'ailleurs par toute la ville une épidémie monstrueuse de 'scopes' et de 'graphes': Ouimetoscope, Nationoscope, Vitoscope, Readoscope, Rochonoscope, Mont-Royaloscope, Bodet-o-scope et, ancêtre du cinéma de Paris, le Pariscope».

Au Canada anglais, on ne compte, avant 1930, qu'un seul véritable dramaturge.

Celui-ci. Merrill Denison, excelle dans des pièces en un acte dans lesquelles il tente de démythifier les types jusqu'à ce moment présentés sous les diverses facettes du romantisme, de la grandeur d'âme, du courage, etc. L'œuvre de Denison entre de plain-pied dans le réalisme de l'époque où. cette fois, les mères et pères se font rouler par un fils sans scrupules. Denison s'oppose aux idées reçues et, à ce titre, on peut parler de lui comme d'un novateur. Michael Tait, dans son étude du drame, parle ainsi de Marsh Hav, la pièce de Denison qu'il considère comme étant la plus réussie: «En général, Denison évite de porter un jugement. La malpropreté et les tentatives pour échapper à la promiscuité sexuelle, les mœurs bigotes et perverses de la petite communauté, la rupture complète des relations humaines dans la famille, sont des conditions dont on ne doit blâmer personne en particulier, mais pour lesquelles on ne propose point de solution (...). C'est sans contredit la meilleure pièce canadienne de la décennie».

Il est peut-être intéressant de noter la naissance de nombreuses troupes de théâtre, à Toronto, à Montréal et à Ottawa, qui contribuèrent à la formation d'excellents acteurs qui durent toutefois émigrer, pour plusieurs, aux États-Unis, faute de quoi nourrir leur talent. Parmi ceux-là: Mary Pickford, Margaret Anglin, Walter Huston et Raymond Massey.

Quant au théâtre d'expression française, il est encore, après la guerre, à la remorque du théâtre français. L'absence de dramaturges québécois se fait de plus en plus pénible, puisque, dans les autres arts, se trouvent des personnes qui ont voulu refléter la personnalité propre aux Canadiens. Les comédiens pourtant ont une réelle valeur. Signalons Henri Poitras, qui débute en 1918 dans Cœur de Moineau au National, à Montréal. Quelques années plus tard, soit en 1923, Antoinette Giroux est la première femme à se mériter une bourse du gouvernement du Québec, bourse qui doit lui servir à défrayer le coût d'un séjour de trois ans d'étude à Paris. Le Conservatoire Lassalle, établi précédemment, a eu comme élèves Henri Poitras, Antoinette et Germaine Giroux ainsi qu'Albert Duquesne.

C'est, bien entendu, l'une des premières pages théâtrales du Québec (mais la seule dans le bouquin mentionné)... puis viendront des chapitres entiers qui en font aujourd'hui un art bien vivant. Bien vivant... mais sans racines profondes.

Quelques autres liens sur ce sujet (le manque de racines): Pour un théâtre national, Un théâtre fondateur?, Le théâtre canadien-français selon Durham.

Pourquoi se forcer?

2011-12-21T09:15:00.002-05:00

À l'approche des Fêtes - perdu en plein Burlington, au Vermont! - je délaisse un peu les théories et recherches pour replonger de nouveau dans le bouquin (virtuel... qu'on peut retrouver sur Google Books en cliquant sur l'image), Les secrets de coulisses des théâtre de Paris écrit en 1865 par Joachim Duflot. Son ouvrage, sous forme de dictionnaire, renferme toute une série d'anecdotes croustillantes, surprenantes ou franchement cruelles qui donnent toute la mesure de ce qu'a été (et qu'est toujours!) le théâtre...

Comme cette petite historiette, monument de résignation... ou de paresse?

Aplomb. — L'aplomb tient lieu quelquefois de talent, et supplée souvent au manque de mémoire. Philippe, qui créa M. Jovial, était un acteur type comme aplomb.

Un acteur de province, d'un médiocre talent, trouvait chaque année le moyen de tomber trois fois dans trois villes différentes [nda.: métaphore judéo-chrétienne pour signifier qu'il n'arrivait jamais, devant le public bruyant et insatisfait, à se rendre à la fin de son rôle]; aussi ne se donnait-il plus la peine d'étudier ses rôles. Il savait les deux premiers actes de chaque pièce, assuré d'avance que le public l'empêcherait d'achever l'ouvrage; mais le hasard voulut qu'à Poitiers, le public inattentif se montrât bienveillant. Il jouait Burrhus dans Britannicus et on comprendra facilement son embarras quand le troisième acte commença. Que fit-il? Il s'avança résolument sur le bord de la rampe et dit au public: « Messieurs, j'ai eu l'honneur de jouer la tragédie à Angoulême, à Mâcon, à Bourges, à Grenoble et dans d'autres villes, et, je dois l'avouer, je n'avais rencontré nulle part un accueil aussi bienveillant; depuis dix ans, jamais je ne pouvais achever mon premier début; aussi je ne me donnais pas la peine d'apprendre plus de deux actes de chaque pièce. Mais puisque vous y mettez de l'indulgence, je vous promets d'apprendre les trois derniers actes pour la semaine prochaine. » Cet aplomb déconcerta le parterre qui se prit à rire, et l'acteur devint en peu de temps l'idole du public.

C'est pour toutes ces histoires que j'aime le théâtre.

Les 4 classes de spectateurs

2011-12-20T19:56:00.000-05:00

Spectateurs du théâtre par Henri Lachieze-Rey (1971)... tableau tiré de ce site de ventes aux enchères...

Voici un Secret de coulisse des théâtre se Paris (publié en 1865), révélé par Joachim Duflot... et qui concernent cette engeance nécessaire au théâtre... quoique parfois embarassante que sont les spectateurs.

Il y a quatre classes de spectateurs: les blasés, les indifférents, les attentifs et les enthousiastes.

La première classe trouve que tout est pitoyable.

La deuxième s'endort volontiers.

La troisième cherche à se rendre compte de ce qu'elle voit et de ce qu'elle entend.

La quatrième, qu'on baptise assez ordinairement de payants, quand on ne dit pas imbécile de payant, rit, s'amuse et bat des mains. Chaque mot fait sourire le naïf spectateur, chaque scène l'étonne, chaque acteur le surprend; il est toujours disposé à l'admiration.

Le généralisme est un peu radical. N'empêche que pour chacune de ces catégories, il serait presque possible d'y accoler des noms!

Un loup en scène...

2011-12-19T10:25:00.005-05:00

Que signifie «connaître le loup» au théâtre? Cette expression - qui m'était parfaitement inconnue avant que de ne la trouver dans le Dictionnaire de la Langue du Théâtre d'Agnès Pierron - se définit donc ainsi:

LOUP: C'est une gaucherie dans une pièce de théâtre qui connaît déjà l'ours [nda.: une pièce qui dort dans les tiroirs]; tandis que les écoles d'architectures, si elles connaissent le «loup», ont affaire aussi au «chameau», nom donné aux choses non résolues par le candidat se présentant au concours de fin d'année.

Mais de quelle «gaucherie» s'agit-il? Les avis sont partagés. Pour certains, il s'agit d'un moment de flottement, d'une impression de vague, d'incomplet, de confus, donnée par le texte en cours de répétition; des corrections, par ajouts ou suppressions, qui viennent donner davantage de tenue au texte, finissent par «tuer le loup». Théophile Gautier donne ces précisions: «Un loup, en argot de coulisses, est le vide laissé entre la sortie d'un personnage et l'entrée d'un autre, qui ne doit point voir le premier. Cet intervalle, fût-il d'une seconde, constitue une faute de mise en scène, du moins, au point de vue moderne.[...]». Ce qui est à retenir: l'idée de manque, d'inachèvement, d'un creux, d'un blanc, d'une attente inassouvie.

Il semble que la définition donnée par Théophile Gautier soit la bonnel l'histoire du théâtre, en ce sens, a retenu deux loups. Vers 1840, un soir que Mme Dorval jouait avec Bocage l'Antony d'Alexandre Dumas, le régisseur, mal informé, fit tomber la toile avant la célèbre phrase finale: «Elle me résistait, je l'ai assassinée!». L'effet était grillé; le public réclame à grands cris que le rideau soit relevé. Ce qui est fait, Mme Dorval reprend sur son fauteuil sa pose de femme tuée, mais Bocage a disparu; impossible de le trouver. Le public s'agite encore davantage. Pour le calmer, Mme Dorval se lève, s'avance jusqu'à la rampe et dit, non sas étouffer un fou rire: «Mesdames et messieurs, je lui résistais, il m'a assassinée!».

Une autre fois, M. de Féraudy, jouant dans Gringoire à la Comédie-Française, fit attendre son entrée une bonne minute. Ses camarades, inquiets, s'adressaient des signes désespérés. Intrigué, le public commençait à murmurer. Enfin, le retardataire entre en scène sur ces mots: «J'arrive à temps...».

Les pôles théâtraux comme cadres de travail

2011-12-18T08:45:00.001-05:00

Je tente, ce matin, une nouvelle synthèse de ces trois notions qui, pour moi, couvrent l'ensemble du théâtre (du moins, dans sa vision conventionnelle) et le composent. Parce qu'elles sont floues et diffèrent d'un théoricien à l'autre (comme le prouvent cette série de billets). Elles s'accroissent chez les uns, s'englobent chez les autres, se contredisent. Ma vision est peut-être trop simpliste?

La LITTÉRARITÉ comme cadre textuel: le discours, le vocabulaire, le rythme. C'est l'écriture dans sa plus simple expression, avec tous ses canons de création et leur articulation.

La THÉÂTRALITÉ comme cadre scénique: la forme esthétique et les codes théâtraux (costumes, accessoires, scénographie, lumière, musique). C'est, en quelques sortes, le complément de la précédente. On peut dès lors véritablement parler d'«écriture scénique».

La PERFORMATIVITÉ comme cadre dynamique: le jeu, l'interprétation, l'improvisation, le temps.C'est la partie «vivante» de l'art dramatique, portée d'emblée par le comédien. C'est ici que réside le côté «unique» de chaque représentation de même que le caractère éphémère du théâtre.

Évidemment, celle-ci demande une argumentation plus solide, une pensée plus construite (avec références).Le but de cet exercice demeure le même: établir, en vue de l'écriture de ma thèse (qui devrait débuter d'ici quelques mois...), un cadre conceptuel qui se tient.

Quand Molière dirige ses acteurs

2011-12-17T08:53:00.000-05:00

Il est plutôt difficile de se donner une idée (plus ou moins fidèle) de la façon de travailler des auteurs et acteurs anciens.Comment abordaient-ils l'histoire? Les personnages?

À ce compte, L'Impromptu de Versailles écrit par Molière peut apporter un éclairage plausible sur le jeu que les comédiens devaient déployer au XVIIième siècle.

Dans cette pièce, l'auteur - et directeur de troupe! - se met en scène lui-même, en pleine répétition. Il va sans dire qu'il est alors plausible d'accorder une certaine importance à ce passage (tirée de la première scène) où il «dirige», en quelques sortes, les acteurs:

MADEMOISELLE DU PARC

Mon Dieu, pour moi, je m' acquitterai fort mal de mon personnage, et je ne sais pas pourquoi vous m' avez donné ce rôle de façonnière.

MOLIÈRE

Mon Dieu, mademoiselle, voilà comme vous disiez lorsque l' on vous donna celui de la critique de l' école des femmes ; cependant vous vous en êtes acquittée à merveille, et tout le monde est demeuré d' accord qu' on ne peut pas mieux faire que vous avez fait. Croyez-moi, celui-ci sera de même ; et vous le jouerez mieux que vous ne pensez.

MADEMOISELLE DU PARC

Comment cela se pourroit-il faire ? Car il n' y a point de personne au monde qui soit moins façonnière que moi.

MOLIÈRE.

Cela est vrai ; et c' est en quoi vous faites mieux voir que vous êtes excellente comédienne, de bien représenter un personnage qui est si contraire à votre humeur. Tâchez donc de bien prendre, tous, le caractère de vos rôles, et de vous figurer que vous êtes ce que vous représentez.

(à Du Croisy.)

Vous faites le poëte, vous, et vous devez vous remplir de ce personnage, marquer cet air pédant qui se conserve parmi le commerce du beau monde, ce ton de voix sentencieux, et cette exactitude de prononciation qui appuie sur toutes les syllabes, et ne laisse échapper aucune lettre de la plus sévère orthographe.

(à Brécourt.)

Pour vous, vous faites un honnête homme de cour, comme vous avez déjà fait dans la critique de l' école des femmes, c' est-à-dire que vous devez prendre un air posé, un ton de voix naturel, et gesticuler le moins qu' il vous sera possible.

(à de La Grange.)

Pour vous, je n' ai rien à vous dire.

(à mademoiselle Béjart.)

Vous, vous représentez une de ces femmes qui, pourvu qu' elles ne fassent point l' amour, croient que tout le reste leur est permis, de ces femmes qui se retranchent toujours fièrement sur leur pruderie, regardent un chacun de haut en bas, et veulent que toutes les plus belles qualités que possèdent les autres ne soient rien en comparaison d' un misérable honneur dont personne ne se soucie. Ayez toujours ce caractère devant les yeux, pour en bien faire les grimaces.

(à mademoiselle de Brie.)

Pour vous, vous faites une de ces femmes qui pensent être les plus vertueuses personnes du monde pourvu qu' elles sauvent les apparences, de ces femmes qui croient que le péché n' est que dans le scandale, qui veulent conduire doucement les affaires qu'elles ont sur le pied d' attachement honnête, et appellent amis ce que les autres nomment galants. Entrez bien dans ce caractère.

(à mademoiselle Molière.)

Vous, vous faites le même personnage que dans la critique, et je n' ai rien à vous dire, non plus qu'à mademoiselle Du Parc.

(à mademoiselle Du Croisy.)

Pour vous, vous représentez une de ces personnes qui prêtent doucement des charités à tout le monde, de ces femmes qui donnent toujours le petit coup de langue en passant, et seroient bien fâchées d' avoir souffert qu' on eût dit du bien du prochain. Je crois que vous ne vous acquitterez pas mal de ce rôle.

(à mademoiselle Hervé.)

Et pour vous, vous êtes la soubrette de la précieuse, qui se mêle de temps en temps dans la conversation, et attrape, comme elle peut, tous les termes de sa maîtresse. Je vous dis tous vos caractères, afin que vous vous les imprimiez fortement dans l' esprit. Commençons maintenant à répéter, et voyons comme cela ira. Ah ! Voici justement un fâcheux ! Il ne nous falloit plus que cela.

Oh. Ça me dit quelque chose...

2011-12-16T08:30:00.003-05:00

Voici une petite capsule humoristique, Quand on est au théâtre (pigée sur Youtube), par un duo français connu sous le label Very Bad Blagues

Derrière le côté comique de la chose se trouve pourtant - à certaines occasions, d'accord... - une irritante réalité: des spectateurs bruyants et fichtrement dérangeants. Je crois que, en ce sens, tous les praticiens ont des histoires d'horreur à raconter...

«L'obscur pressentiment»

2011-12-15T09:27:00.003-05:00

Voici comment Peter Brook définit, dans Points de suspension, son travail créateur. Il s'agit là d'un bel exercice que de tenter de définir sa création. De tenter de mettre des mots sur une méthode qui intimement liée à sa propre vision du théâtre.

Quand je commence à travailler sur une pièce, je pars d'un pressentiment obscur et profond, semblable à une odeur, à une couleur ou une ombre. C'est la base de mon travail, mon rôle - c'est ainsi que je me prépare aux répétitions, quelle que soit la pièce que je monte. Cet obscur pressentiment, c'est ma relation avec la pièce. [...] Je ne dispose d'aucun système pour monter une pièce, car c'est à partir de ce sentiment sommaire et informel que je commence à préparer.

Préparer signifie cheminer vers cette idée. Je commence à fabriquer un décor, je le casse, je le fabrique, je le casse, j'y réfléchis. Quel genre de costumes? Quelles couleurs? Tout cela constitue un langage qui sert à concrétiser quelque peu ce pressentiment. Jusqu'à ce que, petit à petit, en sorte la forme, une forme destinée à être modifiée, mise à l'épreuve, mais néanmoins une forme. [...]

La répétition doit créer un climat qui rende les acteurs libres de proposer tout ce qu'ils peuvent apporter à la pièce. C'est pour ça qu'au premier stade, tout est ouvert. [...]

Mis en présence de cette masse de matériau, l'obscur pressentiment se révèle le facteur prédominant face auquel certaines idées ne tiennent pas la route. Tout commence à se clarifier. [...]

Les interrelations entre les différents pôles théâtraux

2011-12-13T15:33:00.001-05:00

Je continue à lire et à réfléchir à une conception meyerholdienne du théâtre autour de laquelle s'articulera les trois principaux pôles théâtraux que sont la LITTÉRARITÉ, la THÉÂTRALITÉ et la PERFORMATIVITÉ. Et pour réfléchir, j'ai l'habitude de barbouiller, de dessiner, d'écrire dans mes carnets... ce qui me permet de reproduire ici, avec la propreté de l'informatique, l'un de mes derniers schémas...

Je n'invente rien là... mais ça me permet tout de même de donner une forme à ces notions qui demeurent floues avec pour conséquence, qu'il est possible de leur faire dire ce que l'on veut... comme le fait que le texte est générateur de discours (de littérarité), qui permettra d'élaborer une forme scénique (la théâtralité), dans laquelle pourra émerger, par l'action du comédien, la performativité pour porter le discours... et ainsi de suite.

Une laideur transcendée!

2011-12-13T09:03:00.003-05:00

Mademoiselle Duchesnois, par François Gérard

J'aime vraiment beaucoup lire sur ces grands acteurs-trices qui ont marqué l'histoire du théâtre de leur passage. J'aime les descriptions qu'on fait d'eux. Parfois avec complaisance. D'autre fois avec une sublime cruauté. Ou parfois encore, avec un mélange des deux qui font rêver à cette période glorieuse où l'art dramatique tenait le haut du pavé.

Voici la (dure) description - selon le récit de M. de Lanzac de Laborie, publié dans Grandes actrices - des débuts de l'une de ces glorieuses femmes, Catherine-Joséphine Rafin dite Mademoiselle Duchesnois (1777-1835) qui dû toutefois se battre contre un ennemi de taille: son apparence (déjà...):

Il [ndr.: le ministre Chaptal] vit une grande jeune fille de vingt-deux ans, à la taille élancée, mais au teint bistre, aux traits disgracieux et surtout à l'expression angoissée des personnes qui, parties de bas, de très bas, ont toujours peut qu'on leur jette à la face un passé d'opprobre et de misère. Invitée pour la forme à débiter quelque tirade classique, sa physionomie, tout à l'heure si ingrate, devint si touchante, surtout sa voix se révéla si pathétique, si mélodieuse, que le ministre l'encouragea et lui indiqua un maître plus approprié à son genre de talent que le facétieux Dugazon, à savoir le poète tragique Legouvé.

Eh oui. Il s'agit de la même dame que celle illustrant le billet. En matière de laideur, il y a pire... Mais ce n'est pas tout. Ce Chaptal revient dans l'histoire quelques années plus tard, alors que Legouvé tente de faire entrer Mlle Duchesnois dans l'auguste maison, la Comédie-Française. Les mots viennent cette fois de M. A. Dinaux:

M. Chaptal se refusait à accorder un ordre de début à Mademoiselle Duchesnois, persuadé qu'elle était trop laide pour réussir. Madame Lebrun, toujours obligeante et protégeant les arts dont elle en cultive un d'une manière si brillante, pria Madame de Montesson de donner une soirée pour Mademoiselle Duchesnois; elle lui fit promettre que Madame Bonaparte y vint ainsi que M. Chaptal. Madame de Montesson y consentit et rénit environ deux cents personnes. Mademoiselle Duchesnois, à cette époque, était d'une affreuse maigreur; sa toilette plus que simple fut arrangée tant bien que mal par Madame Lebrun.

[...] Mademoiselle Duchesnois récita le rôle de Phèdre et une partie de celui de Roxane d'une manière si admirable que le ministre, oubliant comme tout le monde les traits peu agréables de cette jeune personne, lui donna immédiatement son ordre de début... Madame Bonaparte se chargea du costume.

Pour une question de goût personnel de ce ministre, l'Histoire théâtrale aurait dû se passer d'une grande parmi les grandes... Alors que, comme le raconte Lanzac:

Elle rendit avec une incroyable profondeur de sentiment, avec un charme de diction inconnu avant elle, les passions et les remords de Phèdre, torturée par un amour criminel. De vieux amateurs, qui savaient par coeur leur Racine (c'était commun alors), croyaient entendre pour la première fois la musique de ces vers, d'autres pleuraient au récit que l'héroïne faisait de ses souffrances, comme à un mélodrame nouveau.

Et ça joue dur encore une fois:

Geoffroy [ndr.: un critique de l'époque], qui ne devait pas tarder à se montrer si hostile, si grossier, allait, dans un premier élan d'enthousiasme, jusqu'à féliciter la débutante de sa laideur. Il disait: Elle recevra des éloges et non des madrigaux, elle entendra des vérités utiles et non des mensonges galants.

Et le reste de son histoire continue entre cabales humiliante pour elle et dénigrement alors qu'elle atteint les sommets de l'art théâtral. Son entourage - de comédiens, de critiques, d'auteurs - s'adonnent à une méchanceté sans borne.

Question de spectateur

2011-12-12T12:57:00.005-05:00

Spectateurs au cabaret, Emil Nolde, 1911 (image tirée de ce site)

Quelques mots de Peter Brook (et de son Espace vide, reparu en 1977 aux éditions du Seuil) pour changer un peu des billets sur les productions en cours... D'autant plus que ce praticien-théoricien est quand même une sommité du théâtre contemporain...

Qu'est-ce qu'un public? En français, parmi les différents termes utilisés pour désigner ceux qui regardent: le public, les spectateurs, un mot tranche sur les autres, qui est qualitativement différent: l'«assistance». «J'assiste à une pièce», «assister»: le mot a deux sens, l'un est actif et l'autre passif, et l'un de ces deux sens fournit la clé. Un acteur se prépare, il entre dans un processus qui peut devenir stérile à tout instant. Il se prépare à capter quelque chose, à lui donner vie. Au cours de la répétition, l'élément vital d'«assistance» provient du metteur en scène qui est là pour aider en observant. Quand l'acteur se présente devant le public, il s'aperçoit que la transformation magique ne s'opère pas par magie. Les spectateurs peuvent très bien regarder passivement le spectacle, attendant de l'acteur qu'il fasse tout le travail, et sous ce regard passif, l'acteur peut découvrir qu'il ne peut produire qu'une répétition des répétitions. Cela peut l'ébranler profondément. Il a beau y mettre de la volonté, se donner entièrement et essayer de provoquer la participation du public, il est conscient d'un manque. Il dit alors que la salle est «mauvaise». Parfois, au contraire, au cours de ce qu'il appelle une «bonne» soirée, il se trouve devant un public qui, par hasard, tient activement son rôle de spectateur vivant. Ce public l'«assiste». C'est grâce à cette «assistance» - l'assistance des regards, des désirs, du plaisir et de la concentration - que la répétition devient représentation. Alors, ce qui est «représentation» n'isole plus l'acteur de la salle ni le spectacle du public. Il les englobe: ce qui est présent pour l'un est présent pour l'autre. La salle aussi a subi un changement. Elle a quitté la vie quotidienne, essentiellement répétitive, pour une arène d'une espèce particulière où chaque moment est vécu plus clairement, plus intensément. Le public assiste au spectacle, mais, en même temps, l'acteur assiste le public.

J'aime bien ce concept du spectateur qui porte assistance à l'acteur... À y réfléchir un de ces jours plus profondément...

En attendant.

2011-12-12T07:28:00.004-05:00

Un spectacle de terminé. Les ateliers réguliers et les ateliers pour aînés également.

Aujourd'hui - et cette semaine! - est le jour du ménage. Du grand ménage. Parce que mon bureau, la salle de travail et le costumier sont de véritables bordels. Remettre de l'ordre.

Remettre de l'ordre et mettre un terme à nos activités pour 2011 tout en préparant doucement mais résolument celles de 2012.

D'ici là, les ouvertures se pointeront et il ne me restera plus qu'à confier les rênes à quelqu'un d'autre.

«On se casse les noisettes!» [Carnet de mise en scène]

2011-12-11T08:47:00.005-05:00

Dessin pris sur ce site... mais comme c'est en néerlandais, je ne trouve pas les infos...

Une assez bonne deuxième représentation... un peu moins fébrile, plus précise, et avec une belle variété de bogues techniques: perruques qui arraches, micros qui tombent, musique qui part toute seule, pancartes qui tombent, etc.

Le rythme se resserre un peu. Les comédiens acquièrent de plus en plus d'assurance dans l'exécution des petits scénarios. Tout est plus en contrôle.

Les chorégraphies et les chansons représentent de bons défis pour ces interprètes qui (à quelques exceptions près) ne sont ni danseurs, ni chanteurs... Bien que cet élément soit pris en compte (et sert le plus souvent de point de départ à la construction de ceux-ci), il n'en demeure pas moins qu'il doit tout de même y avoir un travail de maîtrise personnelle pour rendre le «message» sans s'essouffler.

Toutefois - et c'est là l'écueil! - il faut faire doublement attention à ce que l'ensemble du spectacle soit pris pour acquis, à attendre les rires, à tomber dans un jeu mécanique sans âme. Il faut accentuer la rigueur. Augmenter le tonus et l'énergie. Investir la scène avec détermination et un plaisir accru... et cela paraît plus simple que la réalité.

Là où nous pourrions vraiment travailler si nous avions du temps devant nous (une plus longue série de représentations!), maintenant que les numéros ont été éprouvés devant public, il nous faut déjà entamer le dernier rendez-vous.

Au théâtre, cette semaine! (du 11 au 17 décembre 2011)

2011-12-11T08:24:00.003-05:00

(Fauteuils du Théâtre de l'Odéon, à Paris, © P.Tournebœuf / Tendance Floue / PHPA)

À quelques jours de prendre un petit temps de repos, il reste encore quelques rendez-vous théâtraux.

Aujourd'hui, dimanche - 11 décembre 2011
Salle Murdock (Centre des arts de Chicoutimi), 14h

Les Amis de Chiffon, comme activité bénéfice, donne une représentation spéciale de L'Éclaireur, leur toute nouvelle production.

Aujourd'hui, dimanche - 11 décembre 2011
Salle Marguerite-Tellier (Centre des arts de Chicoutimi), 14h30
DERNIÈRE REPRÉSENTATION

Dernière représentation de On se casse les noisettes!, la cinquième production de Noël du Théâtre 100 Masques construite, cette fois, autour du conte mis en musique par Tchaïkovski. Chocolat chaud et biscuits pour tous.

Vendredi - 16 décembre 2011
Auditorium d'Alma, 20h
Samedi - 17 décembre 2011
Auditorium d'Alma, 14h
(Dimanche - 18 décembre 14h)

Le Prisme culturel présente, pour une autre année, son traditionnel ballet Casse-Noisette. Ça reste dans le ton...

_____________________________________________

Ça ressemble pas mal à ça. Si j'oublie des trucs, il est possible de les ajouter via les commentaires...

«On se casse les noisettes» [Carnet de mise en scène]

2011-12-10T08:12:00.004-05:00

La première représentation d'On se casse les noisettes! est chose du passé.

Une représentation fébrile, mais somme toute assez bien rendue.

Il est possible, maintenant, après une première confrontation avec le public, de faire les ajustements nécessaires à un rehaussement de la dynamique scénique, en faisant «nettoyant» les numéros et les entre-scènes des parasites qui se sont installés en cours de répétitions.

Car la présence du public permet deux choses: d'abord insuffler de l'énergie aux comédiens par leurs réactions et surtout, cette présence permet au metteur en scène d'aborder le spectacle avec des yeux neufs. Une expérience quasi mystique. Une transsubstantiation. Tout à coup, la production prend comme un nouvelle figure.

Alors, ce qui attend les comédiens, ce soir, avant la représentation: revérifier la calibration (?) du son (la musique et les micros), resserrer quelques liens. Couper un peu par-ci, un peu par-là, retranchant des répliques qui tombent finalement à plat.

Plus que n'importe quel autre spectacle, ce type de production se doit d'être en chantier jusqu'à la dernière minute des représentations et de rester ouverte à tout changement qui peut se présenter (dont les références à des personnes dans la salle qui doivent être revues systématiquement, à tous les soirs...). Et c'est là le plus grisant de ce projet. Rester à l'affût de ce qui pourrait améliorer et se lancer dans de nouvelles avenues à quelques minutes de monter en scène.

________________________________________________

Pour vous donner une (ou plutôt deux idées de ce à quoi peut ressembler ce spectacle), il faut lire Noël Destroy par Joël Martel (Voir Saguenay-Alma) et Antidote redoutablement efficace en page 6 du Quotidien d'aujourd'hui, par Daniel Côté.

«On se casse les noisettes! » [Carnet de mise en scène]

2011-12-09T08:38:00.002-05:00

Si la nuit porte conseil, celui-ci, quand il se multiplie, empêche de dormir. Alors voici donc quelques points directement issus d'une insomnie chronique.

Pour On se casse les noisettes!, les points importants (voire nécessaires!) pour les comédiens, alors qu'ils monteront en scène dans quelques heures pour la première:

Engagement de tout le corps et de tout l'esprit dans ce spectacle.
Engagement de tout le corps et de tout l'esprit dans le collectif. Ce ne sont pas des solos. Il doit y avoir une réelle symbiose sur la scène.
Conscience de son corps, de ses actions et surtout, de ce qu'il provoque chez le spectateur.
Confiance en ses capacités.
Contrôle de l'ensemble de celles-ci.
Confiance dans l'efficacité des numéros.
Précision.
Plaisir dans l'exécution de tout les numéros.
Commencer doucement en mettant de plus en plus d'intensité et de folie au cours des numéros (finalement le contraire de ce qu'ils font, soit de commencer très fort et de s’essouffler en cours de route...).
Importance accrue, vue le contexte de création et d’exécution (semi-canevas), de l'écoute du partenaire et des réactions de la salle.
Aisance et calme (deux éléments essentiels pour se lancer dans les numéros comiques).
Re-plaisir dans l'action.
Enfin, le principal à mon avis: garder à l'esprit que le partenaire le plus important demeure le public. En ce sens, il est primordial de lui ménager une ouverture, de le prendre comme complice, de jouer avec lui.

Sûrement y aura-t-il d'autres points qui s'ajouteront durant cette longue journée qui commence. Mais le reste sera transmis directement aux comédiens.

«On se casse les noisettes!» [Carnet de mise en scène]

2011-12-08T19:08:00.002-05:00

La générale est faite.

Après un contrariant contretemps cet avant-midi (où nous avons dû partager la salle avec les organisatrices d'un dîner dans le même lieu), les comédiens ont pu enfin monter en scène pour faire un dernier filage... le pire de tous.

Le pire parce que maintenant, il manque le principal ingrédient inhérent à ce type de spectacles: les spectateurs. Ce qui donne un enchaînement toujours un peu plat, terne et avec une folie qui, jour après jour, a laissé sa place à un certain mécanisme qui ne demande que des rires venus de l'extérieur pour bien s'enflammer.

Dans l'ensemble, ça marche. Ce spectacle de Noël reste proche du cabaret festif (avec un côté bric-à-brac bien assumé!), avec ses numéros éclatés et ses personnages loufoques (personnages différents d'un numéro à l'autre). Les liens fonctionnent et nous continuons à trouver des manières d'ajouter des répliques, de préciser des actions, d'établir concrètement les scénarios.

Compte tenu du contexte de création, c'est la gestion de la technique (le son et les micros) qui pose toujours un peu de problème. Demain, le montage final de la salle viendra corriger le tout.

La résignation (!) d'une comédienne...

2011-12-08T06:12:00.000-05:00

Portrait de Mlle Mars (anonyme, XIXième siècle)

Après le billet d'hier consacré à un sonnet pour Sarah Bernardht écrit par Rostand, j'ai poursuivi la lecture du bouquin d'où il était tiré, à savoir Reines de théâtre, par Dussane, publié en 1944 aux éditions H. Lardanchet (Lyon). J'en arrive à un autre grand monstre de l'histoire du théâtre: Mademoiseille Mars (1779-1847).

Le règne de ces comédiennes ont dépassé largement la scène et c'est tout le monde qui gravitait autour d'elles qu'elles ont tenté de maîtriser... parfois avec autorité, d'autres fois avec caprice, persuasion, manipulation, résignation, etc. Mais toujours - surtout avec le recul aidant! - avec une majesté qui me fascine...

Voici un choc des titans entre cette Mlle Mars et nul autre que Victor Hugo (un autre grand monstre de l'art dramatique) rapporté par Dumas:

«Au milieu de la répétition [n.d.r.: de la création d'Hernani, en 1830], Mlle Mars s'arrêtait tout à coup... Pardon, disait-elle à son partenaire, j'ai un mot à dire à l'auteur.

- Monsieur Hugo? demandait-elle, M. Hugo est-il là?

- Me voici, Madame, répondit Hugo en se levant.

- Ah! Très bien! merci... Dites-moi, Monsieur Hugo...

- Madame?

- J'ai à dire ce vers-là: Vous êtes un lion superbe et généreux!

- Oui, Madame, Hernani vous dit: Hélas, j'aime pourtant d'une amour bien profonde! | Ne pleure pas... Mourrons plutôt! Que n'ai-je un monde, | Je le donnais! Je suis bien malheureux! Et vous lui répondez: Vous êtes mon lion superbe et généreux!

- Est-ce que vous aimez cela, Monsieur Hugo?

- Quoi?

- Vous êtes mon lion!

- Je l'ai écrit ainsi, Madame, trouvez-moi quelque chose de mieux, et je mettrai cette autre chose à la place.

- Ce n'est pas à moi de trouver cela; je ne suis pas l'auteur, moi.

- Eh bien, alors, Madame, puisqu'il en est ainsi, laissons tout uniment ce qui est écrit.

- C'est qu'en vérité cela me semble si drôle d'appeler M. Firmin [n.d.r.: son partenaire masculin] mon lion!

- Ah! parce qu'en jouant le rôle de Dona Sol vous voulez rester Mademoiselle Mars; si vous étiez vraiment la pupille de Ruy Gomes de Sylva, c'est-à-dire une noble castillane du XVIième siècle, vous ne verriez pas dans Hernani M. Firmin; vous y verriez un e ces terribles chefs de bande qui faisaient trembler Charles-Qunit jusque dans sa capitale: alors vous comprendriez qu'une telle femme peut appeler un tel homme son lion, et cela vous semblerait moins drôle!

- C'est bien, puisque vous tenez à votre lion, n'en parlons plus. Je suis ici pour dire ce qui est écrit: il y a dans le manuscrit: «Mon lion!», je dirai «Mon lion!» moi... mon Dieu! cela m'est bien égal! Allons Firmin! Vous êtes mon lion superbe et généreux!

Et la répétition continuait.

Et chaque jour la scène recommençait: Mars voulant arriver à supprimer ce «mon lion» et à le remplacer par un inoffensif «Mon seigneur» - ce qu'elle fit d'ailleurs, le jour de la première.

Les incidents se multiplièrent jusqu'au jour où Hugo exaspéré lui redemanda son rôle. Elle cessa alors ses taquineries, et les remplaça par une froide résignation.»

Par chance, ce genre de caprice venu d'un ou d'une interprète n'existe plus... Euh...

Un sonnet pour Sarah

2011-12-07T10:47:00.001-05:00

Sarah Bernhardt par Hans Makart, 1881

Il fut une époque où les auteurs et les poètes célébraient les acteurs de belle façon. Il faut dire qu'en ce temps, les scènes théâtrales étaient le royaume de grands monstres sacrés de leur vivant.

Voici, en exemple, un sonnet écrit par Edmond Rostand (qui lui a écrit de grands rôles) dans le cadre d'un grand banquet d'auto-célébration qui a eu lieu en décembre 1896.

En ce temps sans beauté, seule encore tu nous restes,

Sachant descendre, pâle, un grand escalier clair,

Ceindre un bandeau, porter un lis, brandir un fer,

Reine de l'attitude et Princesse des gestes!

En ce temps sans folie, ardente, tu protestes!

Tu dis des vers, tu meurs d'amour, ton vol se perd!

Tu tends des bras de rêve... et puis des bras de chair,

Et quand Phèdre paraît, nous sommes tous incestes...

Avide de souffrir, tu t'ajoutas des cœurs!

Nous avons vu couler, car ils coulent tes pleurs!

Toutes les larmes de nos âmes sur nos joues!

Mais aussi, tu sais bien, Sarah, que, quelque fois,

Tu sens furtivement se poser, quand tu joues,

Les lèvres de Shakespeare aux bagues de tes doigts.

De la demi-mesure...

2011-12-07T09:28:00.001-05:00

Devant un filage (ou un enchaînement ou une générale ou une représentation), il arrive parfois - notamment dans un contexte de comédie - d'avoir l'impression que les comédiens, sur scène, en font trop... au point de perdre quelque peu le contrôle d'eux-mêmes et, du coup, de faire dérailler la cohérence de l'ensemble.

Garder la maîtrise de soi est facile à comprendre... mais plus difficile à appliquer. Parce qu'il s'agit là d'une notion qui demande une connaissance approfondie de ses capacités, une aptitude à s'observer de l'extérieur, une faculté d'évaluer sur le champ l'énergie nécessaire et s'y maintenir.

En ce sens, Meyerhold conseillait: Quoique vous fassiez sur la scène, observez en tout une demi-mesure: et dans la voix, et dans le mouvement. Le spectateur remarque toujours la tension d'un acteur qui en fait trop.

Cette «demi-mesure», loin d'amortir le jeu de l'interprète, doit lui permettre de se ménager de l'espace de travail, une possibilité d'action qui ne le poussera pas dans ses derniers retranchements. Ce qu'il perd en «intensité» (ce terme étant top souvent surchargé d'excitabilité...), il le gagne aussitôt en nuance.

C'est jouer, en quelque sorte, avec un pied sur le frein, prêt à tout laisser aller au moment opportun... quand le moment scénique s'y prête.

Cette «demi-mesure», c'est un certain cadre que sait se donner un comédien d'expérience, une limitation bénéfique pour la conduite de son jeu... parce que sans auto-restriction, pas de maîtrise.

«Il faut qu'une porte soit ouverte ou fermée» [Carnet de mise en scène]

2011-12-06T09:12:00.001-05:00

Ce matin, notre petite équipe de production (les comédiens - Isabelle Boivin, Marc-André Perrier - et moi) va présenter la troisième version de Il faut qu'une porte soit ouverte ou fermée à un petit groupe d'étudiants du Cégep de Jonquière. Un premier test devant public avant que de ne poursuivre la recherche et l'approfondissement. Il est assez drôle de voir que, sept ans après la création, nous ferons le même schéma de représentation: la première fois que nous l'avons joué est en décembre 2004. Puis vint la version de mars 2005... Il y aura désormais la version de décembre 2011 et la version de mars 2012.

Un spectacle qui a évolué et qui continuera sans doute à se développer... cette fois sous la houlette du Théâtre 100 Masques.

Après un début houleux et plus difficile que je ne le croyais, nous sommes maintenant arrivés à un résultat assez probant qui - bien qu'il demande encore des ajustements, des nuances et un meilleur contrôle des interprètes - forme un tout cohérent, très près de ce que je cherche avec ce projet: élaborer un type de jeu proche de la biomécanique meyerholdienne... à partir des écrits et non pas d'une pratique.

Du Daniel Keene en petits morceaux...

2011-12-05T08:11:00.001-05:00

Daniel Keene est l'un des dramaturges contemporains que j'apprécie beaucoup. Australien de naissance, peu connu encore au Québec mais de plus en plus en France. J'ai son style d'écriture comme en suspension, fort poétique tout en étant concret. Une écriture solide en quête de précision. De l'orfèvrerie verbale.

Je viens de me procurer (avec la surprise du coût élevé étant donné l'importation européenne...) ces deux recueils qui renferment, en tout, vingt courtes pièces et de huit monologues. De quoi plonger au cœur même de son répertoire.

Au théâtre, cette semaine! (du 4 au 10 décembre 2011)

2011-12-04T06:00:00.000-05:00

Est arrivé le temps des boules et des grelots... Ce temps où les partys se succèdent et où, généralement, l'alcool coule à flot pendant que certains s'essaient au jeu d'acteur pour animer une assemblée... Le théâtre n'est pas en reste et propose, lui aussi, quelques rendez-vous pour égayer cette période de l'année.

Mardi - 6 décembre 2011

UQAC (local?), 10h (ou 10h30?)

Les Têtes Heureuses convoquent toutes les représentants des compagnies de théâtre du Saguenay pour faire une mise à jour du projet Saguenay en huit compagnies qui se déroulera à Lyon à la fin du mois de mars 2012.

Mardi - 6 décembre 2011

Carrefour (Cégep de Jonq.), 12h?

Le Théâtre 100 Masques présente (pour les étudiants en arts du Cégep) la reprise du petit spectacle Il faut qu'une porte soit ouverte ou fermée d'après Alfred de Musset créé en 2004 dans le cadre de ma maîtrise comme illustration primaire de ce que pourrait être un néo-maniérisme meyerholdien.

Jeudi à samedi - 8 au 10 décembre 2011

Petit Théâtre (UQAC), 20h

Anick Martel termine sa maîtrise en arts (en théâtre... mais plus encore, en écriture) en présentant Porosité - La densité de la matière... qui consiste en une mise en lecture/mise en espace des sept textes qui composent le recueil du même titre.

Vendredi et samedi - 9 et 10 décembre 2011

Salle Marguerite-Tellier (Chicoutimi), 20h

(et dimanche - 11 décembre 2011, 14h30)

Pour la cinquième année consécutive, le Théâtre 100 Masques présente un spectacle de Noël... jamais le même, mais toujours drôle parce que caustique et fichtrement ironique en ce qui a trait aux habitudes des Fêtes. Cette année, place à On se casse les noisettes!... construit, bien entendu, sur le canevas fort élastique du traditionnel Casse-Noisette. Un cabaret festif rouge, blanc et or... avec chansons, sketchs, chorégraphies... et en prime: chocolat chaud et biscuits pour tous! L'entrée est fixée à 10$ pour tous et mieux vaut réserver ou par Facebook (la page de l'événement) ou par téléphone au 418.698.3895.

(Vendredi - 9 décembre 2011, en représentations scolaires)

Samedi - 10 décembre 2011

Salle Pierrette-Gaudreault (Jonq.), 13h30

La Rubrique reçoit La Grande Étude du Théâtre À Tempo, un spectacle pour les 5 à 12 ans. Deux musiciens scientifiques et farfelus découvrent les sujets parfaits pour leur laboratoire de recherche présumé… sérieux. Trois personnages clownesques, qu’on croirait sortis d’une bande-dessinée ou arrivant d’une planète pas trop lointaine, se retrouvent cobayes d’une batterie de tests portant sur l’effet des sons et du rythme sur la race humaine… Et quel effet!

Samedi - 10 décembre 2011

(Dimanche - 11 décembre 2011)

Salle Murdock (Chicoutimi), 14h

Les Amis de Chiffon donnent, ce week end, leur activité bénéfice annuelle, toujours placée sous la présidence d'honneur d'une famille saguenéenne. Les activités de cette année se feront autour de la toute nouvelle création L'éclaireur.

--------------------------------------------------------------

C'est tout ce que j'ai trouvé dans mes notes comme activité. Peut-être y a-t-il des représentations du Faux Coffre au Séminaire de Chicoutimi? Si j'oublie un truc, il est possible de l'ajouter via les commentaires.

D'amateur à professionnel

2011-12-03T07:45:00.007-05:00

Un milieu qui se dit «professionnel» se doit d'agir comme tel.

D'abord la formation. Soutenue et cohérente. Dans un établissement reconnu. Une formation qui se poursuit au-delà du premier diplôme obtenu. Une formation qui se poursuit soit par cheminement scolaire, soit par des programmes spéciaux comme au CRC, soit par lectures diverses, soit par la fréquentation assidue des productions de passage. En fait, «formation» est peut-être un peu fort dans ce contexte... mais disons qu'il faut une curiosité nécessaire à une évolution personnelle.

Dans la même veine, il faut se souvenir qu'au théâtre, le corps, la voix, l'imagination, la concentration, l'observation, le rythme sont des éléments qui se doivent d'être entraînés, maintenus en forme entre les productions.

Ensuite, la volonté d'en vivre. C'est là un des points essentiels dans la distinction administrative d'un artiste amateur d'un artiste professionnel. L'acharnement. La détermination. Le choix assumé et prioritaire.

À cela devrait s'ajouter la rigueur manifestée dans le travail. Tant dans l'apprentissage des textes, que dans la ponctualité, le réchauffement, l'investissement dans les répétitions, la prise de note, la révision... peu importe les autres occupations alentour (ce qui revient, en quelques sortes, au point précédent)...

Cette rigueur qui devrait être omniprésente est étonnamment fort fluctuante...

À cet égard, les amateurs ne sont pas toujours là où on pense.

«On se casse les noisettes! » [Carnet de mise en scène]

2011-12-02T17:40:00.004-05:00

La journée de répétitions (de 9h à 11h et de 13h à 16h) fut plus difficile que celle d'hier.

D'abord parce que je suis fatigué. J'ai le cerveau plus lent... qui demande plus d'attention. Et la fatigue se conjugue dès lors si facilement avec l'impatience. Créer dans ce contexte devient ardu. Parce que le plaisir fond avec l'usage. Parce que le focus n'est plus au bon endroit. Parce que l'ouverture et la diplomatie sont inversement proportionnels.

C'est le jour où la création devient «la création de trop». Jusqu'à la prochaine répétition.

Toujours est-il que présentement, l'ensemble du spectacle de Noël est placé. Ne manque plus que la finale... pour un présent total de 52 minutes.

Les numéros sont des ébauches qui demandent encore de s'y arrêter. De les peaufiner. De les nuancer.

«On se casse les noisettes!» [Carnet de mise en scène]

2011-12-01T16:51:00.002-05:00

Nous sommes entrés dans la phase intensive de répétitions. Les filages succèdent aux sketchs à faire qui eux mêmes s'intègrent dans des enchaînements parfois cahoteux, mais toujours très drôles. Le plaisir de la création en directe!

Je sors de ces heures de travail complètement brûlé... car il faut dire que je me lance tout entier sur la scène, dans les coulisses, écrivant répliques sur le tas et coordonnant la mise en place, les chorégraphies et le rythme de l'ensemble.

Toujours est-il que ça prend forme... comme en témoigne cette photo prise tout à l'heure, en début de travail...

Devant, on peut reconnaître Marilyne Renaud (qui en est à sa quatrième participation dans la production de Noël du 100 Masques), Marie-Noëlle Lapointe, Mélanie Potvin (qui revient après l'an dernier). Derrière, on retrouve Marc-André Perrier (qui était de la seconde édition) et Frédéric Jean.

Et n'ayez crainte, d'ici la première, j'aurai repassé tous ces costumes qui se ressentent encore d'avoir été tirés dans une boîte à la fin de l'an passé!

Enseigner le théâtre... selon Jean-Pierre Ronfard

2011-12-01T08:40:00.003-05:00

Jean-Pierre Ronfard (décédé en 2003), est l'un des monuments du théâtre québécois. Son œuvre écrite et ses spectacles au TEM et au NTE ont chamboulé les codes et exploré tous les coins et recoins de l'art dramatique.

Impossible, pour quiconque souhaite aborder le théâtre d'ici, de passer à côté de sa gigantesque épopée historico-poético-ironique qu'est le cycle de Vie et mort du roi boiteux.

Mais Ronfard est aussi un pédagogue. Un pédagogue qu'il a dû être bon d'avoir... comme le témoigne cet extrait tiré du dossier qui lui est consacré dans L'Annuaire théâtral du printemps 2004 (le numéro 35):

Dans mon cours d'histoire du théâtre, ce qui m'intéressait, c'était de proposer l'histoire à rebours. Le premier jour, je demandais aux étudiants de répertorier ce qu'ils connaissaient comme théâtre, ce qu'ils avaient vu, ce qu'ils avaient lu. Puis de dire ce qui leur avait semblé le plus important. Or, lorsque l'on est devant une douzaine ou une quinzaine d'étudiants, on s'aperçoit qu'à eux tous, ils ont vu tous les type de théâtre que l'on peut voir au Québec. Si bien que c'était à partir de leurs références que l'on élaborait le programme, en «tirant sur les fils». Par exemple, s'il y en avait un qui avait vu West Side Story et Starmania, il s'agissait de tirer sur le fil de la comédie musicale, et nous arrivions au théâtre lyrique. En tirant sur ce seul fil, on finit par aboutir à Aristophane, en passant par les comédies-ballet de Molière et la différence entre Le mariage de Figaro de Beaumarchais et l'opéra que Mozart en a tiré. C'est donc les étudiants qui, au premier cours, me donnaient ces fils que nous allions tirer tout au long de l'année. Ce qui était intéressant avec cette démarche, c'est que les étudiants ne se trouvaient pas devant une matière qui leur était complètement inconnue, puisqu'ils découvraient par eux-mêmes qu'ils avaient en main les fils qui leur permettaient de remonter le cours de l'histoire du théâtre. Ce type de pédagogie, où l'on part, précisément, de ceux à qui l'on enseigne, de ce qu'ils savent, de ce qu'ils sont - et non de ce qu'ils devraient être - est, à mon avis, le plus intéressant. On se rend compte alors qu'un être humain, finalement, connaît toujours passablement de choses; mais il faut saisir comment ce savoir est organisé chez lui. C'est connu, mieux vaut une tête bien faite, qu'une tête bien pleine.

Il y en a qui l'ont, l'affaire...

De l'hermétisme lyrique du metteur en scène...

2011-11-30T07:56:00.003-05:00

Comme j'ai déjà lu quelque part (il me faudrait retrouver la référence...) les répétitions théâtrales servent principalement à emplir du vide.

Pour y arriver, le metteur en scène accompagne (bon... cet «accompagnement» peut être plus ou moins tyrannique, souvent castrant, parfois troublant...) le comédien dans la création de son personnage, du mieux qu'il peut. Il illustre. Il montre. Il parle. Et dans ce dernier cas, il devient, à l'occasion, un peu difficile à saisir. Il donne des indications qui peuvent parfois laisser perplexe... Des phrases énigmatiques. Des phrases hermétiques. Des phrases éminemment poétiques. Surtout quand entre en ligne de compte les notions de «présence», d'«énergie». (Si certains ont en mémoire des phrases de ce type, j'aimerais bien en recevoir via les commentaires...)

D'ailleurs, quand ces (et ses) mots deviennent problématiques, ils enclenchent, chez l'interprète, une série de questions et de discussions qui font obstacles au lieu de l'aider.

Dans l'art de la mise en scène, les discours ont peu d'importance car ils n'expriment que des idées. Si le comédien les comprend, et même si elles sont justes, il ne saura toujours pas comment jouer. Car il est impossible de jouer une idée, cela donnerait quelque chose de trop vague. Il faut trouver une manière concrète, très concrète, d'exprimer les idées et les sentiments, sans, évidemment, les dénaturer. Il faut penser à tout, puis faire semblant d'oublier et sur scène, construire quelque chose de concret. Telle était la philosophie du metteur en scène russe Anatoli Efros.

Telle est la mienne.

La Rubrique en lecture publique.

2011-11-29T11:02:00.001-05:00

Cet après-midi, à 13h, le Théâtre La Rubrique donnera, en lecture publique, des extraits de sa prochaine création, Une heure avant, à la Bibliothèque de Chicoutimi. Elle fera de même au Côté-Cour de Jonquière à compter de 14h45.

Pour plus de détails, il faut consulter ce communiqué.

«On se casse les noisettes!» [Carnet de mise en scène]

2011-11-29T07:13:00.001-05:00

La cinquième production de Noël du Théâtre 100 Masques - On se casse les noisettes! - commence à prendre forme. Bien qu'aucun enchaînement n'ait encore eu lieu, il est possible de se faire une bonne idée du ton et même de la durée de ce spectacle.

Présentement, il reste à l'équipe deux numéros à mettre en place. À partir du 1er décembre, ce projet entre enfin dans sa phase intensive alors que de nombreuses périodes y seront consacrées. Les enchaînements se succéderont et permettront de développer et de bonifier et le rythme scénique et la rigueur du jeu.

En tout, ce seront, en fait, sans compter la narration principale sur le modèle du conte original de Casse-noisette, près d'une quinzaine de numéros qui seront regroupés en 10 sections. Pour donner un premier aperçu de la teneur de chacune des parties (certains numéros vont assez loin dans l'ironie et la causticité...), voici les titres de celles-ci:

Ouverture sur pointe

Un Noël en blagues et en boisson

Projection maternelle sur fond de comédie-ballet

Charité bien ordonnée

Hé! Arrête de tricher mon sale!

Ces cadeaux qui m'emballent

La dinde n'est pas seulement qu'une volaille

La visite ou surtout, etc.

De maman à papa

Un spectacle qui n'en finit plus

Tout le travail esthétique (espace, costumes, accessoires, musique) est encore à venir... m'offrant, du coup, de nombreuses heures de bricolage... de même qu'il reste encore des commandites à aller chercher, dont le chocolat chaud et les biscuits!

En attendant, les réservations sont maintenant ouvertes!

Au théâtre, cette semaine! (27 nov. au 3 déc.)

2011-11-27T08:25:00.001-05:00

Se passera-t-il des trucs théâtraux dans les jours à venir?

Du moins, rien à la Rubrique...

Rien non plus chez les Têtes Heureuses, le C.R.I., le Théâtre 100 Masques, le Théâtre À Bout Portant ou les Amis de Chiffon (qui poursuivent cependant leur présente tournée).

Enfin, rien du côté de Roberval.

(Note: quand je dis ''rien'', je veux dire ''aucune activité publique'' parce que malgré tout, tous ces organismes sont en constante ébullition dans le but de poursuivre les projets en cours.)

Non... pas grand chose sinon:

Mercredi - 30 novembre 2011

Polyvalente de Jonquière

(Représentations scolaires seulement)

Le Théâtre du Faux Coffre donnera son En attendant l'dégât d'eau en circuit fermé, à la Polyvalente de Jonquière.

Si j'oublie un ou des trucs, il est possible de les ajouter par le biais d'un commentaire...

Des didascalies...

2011-11-26T08:09:00.001-05:00

La voix de l'auteur se manifeste, au théâtre, traditionnellement, via les didascalies... ces indications destinées aux comédiens, aux metteurs en scène, aux concepteurs. Dans le texte, elles sont souvent reconnaissables par la police utilisée (souvent en italique, parfois en caractères gras ou d'une taille différente), différente du dialogue. L'extrait suivant en donne plusieurs variantes dans le même texte (Notre futur, de Georges Feydeau):

Les didascalies servent plusieurs fonctions et, en ce sens, il est possible (selon L'analyse des textes de théâtre de Michel Pruner)de les diviser en plusieurs catégories.

Il y a les DIDASCALIES INITIALES qui regroupent la liste des personnages de la pièce avec plus ou moins de détails (rapports de hiérarchie, âge, costumes, etc.) parfois accompagnées du nom des créateurs du rôle.

C'est toujours dans cette même catégorie qu'entre la première véritable didascalie qui donne (comme dans l'exemple ci-haut), une définition des lieux, un traitement de l'espace.

Viennent ensuite les DIDASCALIES FONCTIONNELLES qui déterminent une «pragmatique de la parole» (A. Ubersfled), c'est-à-dire l'indication, avant chaque réplique, de l'identité de celui qui parle. (Dans le théâtre contemporain, ces didascalies disparaissent plus souvent qu'autrement...).

Elles servent aussi à séparer le texte (soit en actes, soit en tableaux, etc.) et à donner, en début de chacune de ces parties, les modifications des lieux.

C'est dans cette catégorie encore qu'entrent en ligne des compte les indications sur l'environnement scénique (organisation de l'espace, jeu des objets, effets d'éclairages) et les éléments sonores (bruitages, musique) ou visuels (projections de photos, vidéo, films).

Enfin, s'y retrouvent aussi, à l'intérieur du texte, les notes de l'auteur indiquant à qui s'adresse la parole ou les déplacements qui doivent se faire.

Il y a par la suite les DIDASCALIES EXPRESSIVES qui, comment le nom l'indique, suggèrent parfois comment intervenir: façon de dire le texte («haussant le ton»), rythme («brusquement»), timbre de voix («rauque», «grave»), débit de la parole («hésitant»). Elles peuvent exprimer le sentiment qui détermine la réplique («tristement») et l'intention qui la sous-tend («suppliant»), que celle-ci soit liée à l'humeur («en colère», «souriant») ou au caractère du personnage («insolent»).

Et, pour finir, il y a les DIDASCALIES TEXTUELLES qui sont à l'intérieur même du dialogue et dites, en quelques sortes, par le personnage. Par exemple, si un personnage dit à un autre: «Lève-toi.», il est fort à parier que ce-dernier doit être au moins assis.

Voilà. Ça tombe sous le sens.

L'art du comédien comme d'une fatalité...

2011-11-25T06:30:00.000-05:00

Fatalité de Jan Toorop, 1893

Ce matin, petite citation qui ne dénote en rien mon état d'esprit... mais qui (en regard du billet précédent) me semble toutefois d'une criante vérité sur le caractère éphémère du théâtre, de cet art comme créateur de souvenirs plus que d'artefacts. Cette citation vient d'un bouquin (c'en est le liminaire) publié en 1958 à Paris, Grandes actrices - Leur vie, leurs amours, par Marcel Pollitzer et elle est le fait d'un certain Arthur Dinaux...

C'est surtout pour les grands talents de la scène qu'on doit être désireux de voir se multiplier les souvenirs de toute espèce.

La mémoire de l'écrivain se conserve par ses écrits, celle du peintre par ses tableaux, le compositeur revit par ses œuvres musicales, et l'architecte par les monuments qu'il édifie; quand l'acteur meurt, tout passe avec lui: il n'a compté que sur la mémoire des hommes, sol fragile et de peu de durée; les traditions s'éteignent bientôt et lorsque la génération contemporaine a disparu, l'histoire de ses talents fondés sur la parole est à demi effacée...

Profond, n'est-ce pas? Peut-être est-ce là - ce côté insaisissable - l'élément nécessaire à la création de comédiens mythiques, magnifiés par l'imaginaire collectif et grandis par la seule force des mots...

Une grande d'ici...

2011-11-24T06:00:00.000-05:00

Pour faire changement et laisser un peu de côté les grandes figures théâtrales européennes, voici quelques paroles d'une comédienne mythique d'ici, Denise Pelletier (dont je n'ai pas de souvenirs parce qu'elle est morte en 1976, quelques temps avant ma naissance), qui a fait vibrer de nombreux spectateurs sur les grandes scènes québécoises.

Les mots qui viennent sont tirés, pour la plupart, de son spectacle-confidence Une femme, plusieurs personnages, qui a été créé en 1975 suite au succès phénoménal d'une conférence donnée le 29 septembre de cette année-là à l'Institut Canadien, à Québec.

[...]

Mais l'ombre de mon père - qui était un homme d'une grande rigueur et d'une grande tendresse - planait au-dessus de moi et semblait me dire: «Denise, soit concise, soit claire, soit simple!...»

[...]

Un comédien ne réussit jamais. Le doute est là chaque soir. Quelquefois, il se dit: «Ça y est, j'y touche!» mais tout à coup, dans un moment magique, la toux d'un spectateur vient tout déchirer et il doit repartir à zéro.

[...]

Je suis prise. Mais j'ai mon personnage devant moi. J'ai le contrôle de mon personnage. Il est mon double. Et il est, en même temps, le double du public.

[...]

Ce qu'il nous faut avant tout à nous autres acteurs, c'est du bon sens devant le texte à jouer; du bon sens et de la sensibilité. L'intelligence ne nuit pas, mais une intelligence trop cérébrale qui veut tout disséquer risque d'assécher et d'empêcher la générosité naturelle de l'acteur de s'épanouir.

[...]

Lorsque le rythme de mon cœur s'accorde au rythme de vos cœurs, lorsque nous ne faisons qu'un, c'est le théâtre.

Ces citations ponctuent une biographie de l'actrice écrite en 1980, par Micheline La France, sous le titre Denise Pelletier ou la folie du théâtre.

Un schéma («pavissien») pour aborder un texte de théâtre...

2011-11-23T07:41:00.001-05:00

Voici un schéma qui décompose un texte de théâtre en différents éléments qui s'enchâssent, au fond, les uns dans les autres et constituent, en ce sens, une certaine unicité. Ce schéma vient de Patrice Pavis, dans Le théâtre contemporain - Analyse des textes de Sarraute à Vinaver, publié en 2002 aux éditions Nathan.

Et voici comment il l'explique:

Une disposition des niveaux comme des cercles concentriques [est] plus proche de l'enchâssement des instances et de la réalité des échanges. Chaque niveau est en effet contenu et englobé par le suivant, le passage de l'un à l'autre s'effectue comme une suite d'ondes de choc qui nous éloigne de plus en plus de l'identité et de la matérialité textuelle.

Au centre, la textualité (A) est entourée de sa situation d'énonciation (B). Les discours et les thèmes (1) sont inclus dans l'histoire racontée, la fable (2), laquelle se lit en une suite d'actions physiques et d'événements (3), qui sont eux-mêmes englobés dans la mer sans rivages de l'inconscient et de l'idéologie (4).

On définit l'écriture comme la somme de la textualité/théâtralité (A et B) et de la dramaturgie (1, 2, 3, 4).

De (A)-(B) à (4), on passe du visible à l'invisible, de la trace à l'intraçable.

La fable (2) est au cœur de la dramaturgie, prise entre l'intrigue et l'action.

(1) et (2), l'alliance de l'intrigue et de la fable, forment une agglomérat ressassant une histoire générale et parabolique.

(2) et (3), l'alliance de la fable et de l'action, se situent là où le récit se traduit en une suite d'actions.

En (4) flottent sans ancrage toutes les thèses et hypothèses sur l'inconscient et la socialité du texte. Ces pensées s'inscrivent parfois dans des événements, des actions (3), des forces agissantes, enchaînées en une fable (2), directement repérables dans le texte sous la forme d'une intrigue linéaire, avec ses thèmes, ses parties du discours (1), sa matérialité textuelle (A).

Le théâtre par Guitry

2011-11-22T06:00:00.000-05:00

Extrait du film Le Comédien de Sacha Guitry (film dans lequel l'auteur-acteur-réalisateur raconte la vie de son père, le grand comédien Lucien Guitry...) où le théâtre y a une large part, au point d'en devenir le personnage principal. Ce film comporte des scènes encore plus parlantes et encore plus magnifiques... mais c'est la seule que j'ai trouvée. On y trouve néanmoins le ton et quelques idées sur l'art dramatique, sur qui peut et ne peut pas monter sur scène...

Le personnage masculin est bien sûr joué par Guitry lui-même... et celle qui lui donne la réplique est sa dernière (et cinquième!) épouse, Lana Marconi. La dame qui apparaît en fin de vidéo est la comédienne Pauline Carton (dont j'ai publié quelques extraits de son journal, là et là), une fidèle complice du réalisateur.

Du potentiel événementiel au montage d'attractions...

2011-11-21T07:38:00.001-05:00

Le potentiel événementiel est une notion qui me parle assez quand je réfléchis à la mise en scène. Cette possibilité de faire arriver quelque chose.

Voici comment je la définissais dans un billet du 3 septembre 2008: Le potentiel événementiel concerne, pour sa part, la scène... le spectacle en lui-même, l'image scénique. À partir de celle-ci, tout un développement est possible, toutes les avenues sont disponibles. C'est la fébrilité du regardeur, ce qui le fascine et le retient. C'est le règne de la maîtrise des praticiens.

Et dans un billet du 21 mai 2011: Chaque geste de l'interprète fonctionne un peu comme la foudre. Il se construit par l'accumulation d'une charge, le potentiel événementiel. Ce potentiel crée un horizon d'attente chez le spectateur. Du coup, l'intérêt de toute action (ou inaction) se concentre dans celui-ci, dans ce qui peut ou non advenir, dans ce qui advient et n'adviendra jamais.

Le potentiel événementiel agit donc comme un ressort qui créera, tant chez le comédien que chez le spectateur, une tension de plus en plus palpable jusqu'à son dénouement soudain. Dès qu'il se réalisent, le geste et l'action perdent aussitôt leur force d'impact jusqu'à la remise en place d'un nouveau potentiel.

En lisant le petit bouquin sur Thomas Ostermeier (dont il est souvent question dans les derniers jours), je suis tombé sur une autre notion qui pourrait se rapprocher de la mienne (du moins, qui mérite que je m'y arrête plus sérieusement un de ces jours!): le montage d'attractions.

[Mon principe esthétique de base,] je crois que c'est l'esprit d'Eisenstein. Ce qui m'intéresse chez lui, c'est cette idée qu'un film ou une mise en scène est d'abord un montage d'attractions. C'est une conception esthétique qui lui a été inspirée par Meyerhold. [...] La formule selon laquelle une mise en scène est un montage d'attractions est intimement liée au monde du cirque. Quand le trapéziste s'élance dans le vide avant d'être rattrapé au vol, le spectateur se demande, une fraction de seconde, si son partenaire va bien le récupérer, s'il ne va pas tomber. Il est alors tendu et concentré. C'est le moment de l'attraction, le moment où le spectateur est le plus attentif parce qu'il y a un vrai danger. [...] Il en est de même pour moi au théâtre. Il faut que les spectateurs soient assis au bord de leur chaise et tendus. Il faut que la scène donne le sentiment que toujours quelque chose risque de déraper. Et ce sentiment doit être d'autant plus trouble que le théâtre joue avec le réel.

Ces deux notions de potentiel événementiel et de montage d'attractions devraient, avec le temps (et par une recherche plus poussée), se réunir, se compléter... voire complètement se confronter.

De l'ennui à l'érection

2011-11-19T08:11:00.001-05:00

Ce schéma est tiré du blogue de Jérôme Fansten, plus précisément d'un article portant sur la dramaturgie (qu'on peut retrouver en suivant ce lien)... dramaturgie pris dans le sens de composition du matériel textuel.

Avec une certaine ironie au bout des doigts, il explique: L’intensité dramatique est liée aux enjeux : au début, le héros risque juste d’être blessé, puis après il risque sa vie, puis celle de sa femme si elle n’a pas été tuée au début. C’est pour ça qu’on tue les amis (élément déclencheur), plutôt que la famille : elle doit servir pour la suite. Et, de fil en chas d’aiguille, et de chas d’aiguille en chameau, le héros tutoie l’enfer… ça devient de plus en plus trapu pour le gars de s’en sortir en entier… Et le spectateur profite au maximum du spectacle.

Bon. Scientifiquement, l'ensemble est peut-être questionnable.

N'empêche pourtant que le petit schéma (fort simplifié!) donne une appréciation assez juste de la réactivité du spectateur en regard de la force (textuelle, scénique) de la pièce. Maintenant, celui-ci pose son hypothèse avec un certain absolu. Prendre en défaut ce système pourrait devenir un défi plutôt emballant...

L'école du regard...

2011-11-18T06:30:00.003-05:00

Nouveau détour par l'entretien qu'a donné Thomas Ostermeier (metteur en scène allemand) à Sylvie Chalaye pour la collection Mettre en scène de chez Actes Sud-Papiers. Cette fois, sur sa conception du rôle du metteur en scène (à partir aussi de sa fonction de professeur de mise en scène à l'École Ernst-Busch).

Mettre en scène, c'est avant tout pour moi une question de regard. Les problèmes que rencontrent les jeunes apprentis metteurs en scène sont généralement liés au regard. Il faut un regard objectif et je dirais même «froid» pour observer les acteurs au travail, car le metteur en scène doit se méfier de ses propres sentiments et des idées qu'il projette sur la scène. En même temps, et c'est peut-être là toute la difficulté, il faut au contraire un regard «chaud» sur les acteurs, dans le sens où il faut leur donner la force, les mettre en confiance. [...] Pour ne pas tomber dans le panneau et croire que l'on voit quelque chose d'extraordinaire, alors que ce n'est que ce que l'on veut voir et non pas ce qui est vraiment, il faut s'entraîner à être dans la salle et à regarder ce que l'on voit comme un spectateur ordinaire.

J'aime assez cette définition, cette quête d'objectivité (quasi chirurgicale) de la part du metteur en scène sans se laisser abuser par le désir d'y voir ce que l'on a voulu y mettre. Le contraire étant un écueil sur lequel il est si facile d'aller se frapper...

«On se casse les noisettes!» [Carnet de mise en scène]

2011-11-17T11:35:00.000-05:00

Voici l'affiche de la production de Noël 2011 du Théâtre 100 Masques, On se casse les noisettes!. Elle a été conçue et réalisée par moi-même... petit budget oblige. N'empêche qu'elle me plaît assez bien... bien que je ne sois absolument pas objectif!

Sinon, pour le moment, les répétitions vont bon train. Les numéros prennent forme (il y en a même quelques uns que je n'ai pas encore vus!) et l'ensemble acquiert peu à peu le ton recherché... le plus difficile, l'écueil, étant toujours de bien faire comprendre sans trop dire ou expliquer, amener le numéro à un haut niveau d'ironie (s'adressant à un public adulte) sans escamoter d'étapes. Trop en mettre est si rassurant...

Toujours un bon exercice de création en style libre!

Nouvelle acquisition...

2011-11-16T05:27:00.003-05:00

Dans les derniers jours, je me suis procuré ce petit ouvrage de la collection Mettre en scène chez Actes Sud-Papiers. Une collection fort intéressante, composée de petits recueil d'entretiens, de notes de metteurs en scène, de synthèse.

Cette dernière acquisition porte donc (sous forme d'entretiens) sur le travail de Thomas Ostermeier, un metteur en scène allemand à l'avant-garde du théâtre mondial, qui rejette les paradigmes du théâtre dit postdramatique pour se concentrer sur une conception traditionnelle pourtant forte et efficace. Un metteur en scène dont les maîtres à penser sont principalement Brecht, Artaud... et Meyerhold.

Il s'agit donc là d'un regard sans complaisance d'un metteur en scène sur son œuvre; son rapport au texte, à l'acteur, à la scène; ses filiations; ses méthodes de travail; bref, sur sa conception du théâtre et ce qu'il faut pour y parvenir.

Le théâtre, ce n'est pas le texte, le texte n'est qu'une partie du théâtre. Le théâtre, c'est le mouvement, l'acteur, l'histoire de la pièce, la construction de la pièce, la confrontation des personnages, la manière dont un personnage se développe au cours du spectacle, son épaisseur psychologique, sa vie intérieure... Le théâtre, c'est aussi le décor, la lumière, les costumes, la musique, la vidéo, la salle de spectacle et l'ensemble des spectateurs... Le théâtre, c'est tout cela à la fois. Mais pour moi surtout, c'est avant tout le comédien. Car un comédien qui sait très bien dire le texte, mais qui ne parvient pas à rendre, à donner quelque chose de la vie intérieure du personnage, quelque chose de sa dimension d'être humain et de sa complexité, passe à côté du théâtre. On peut imaginer un acteur dont on ne comprend pas la diction, l'élocution n'est pas l'essentiel. Pour moi, l'acteur n'est pas celui qui articule un texte, le plus important, c'est qu'il nous fasse partager l'univers d'un personnage.

''La Défonce'' [Carnet de mise en scène]

2011-11-15T04:31:00.009-05:00

Sur scène: Réjean Gauthier, Dario Larouche, Charles Rousseau-Dubé
Derrière le panneau: Joan Tremblay. À droite: Jean-Sébastien Montpetit et Sonia Tremblay

Les deux photos ci-dessus nous montre, toute l'équipe de La Défonce, en plein travail de répétition (enfin, de notes) dans la Salle Jacques-Tati, à Orsay, lundi le 7 novembre dernier.

Avant ce moment capté sur image (il y a aussi un petit vidéo du même moment - où l'on me voit en pleine action, gesticulant à qui mieux mieux - que je tenterai de poster un de ces jours...), dans un décor somme toute assez semblable à ce que l'on avait à Roberval, il a fallu faire preuve d'ingéniosité.

En débarquant à la salle, dimanche le 6, je tombe nez à nez avec les techniciens de l'endroit (Hervé et Xavier, que je salue encore pour tout ce qu'ils ont fait pour nous) qui m'expliquent que nous avons quelques problèmes: ils n'avaient pas compris le principe mobile de la scénographie et, du coup, il n'y avait rien pour accrocher nos panneaux. Sous le coup du décalage (et sans sommeil depuis une trentaine d'heures!), nous avons passé le reste de la journée à faire des tentatives, trouver des solutions (dont celles consistants à trouver des équivalents à nos trucs électriques - sans adaptateur - glissés dans le plancher).

Puis, dès le lendemain, nous avons terminé le montage des décors (les palettes constituant le plancher étaient sur place) et le montage des éclairages (accrochage et focus) avant que de s'accorder un temps de répétition (les dites photos...). Ça me fascine toujours de constater à quel point la mémoire est solide... Les choses se plaçaient d'elles-mêmes.Comme si nous avions joué la semaine d'avant...

Le mardi, au matin, nous nous sommes appliqués à faire les intensités avant que de ne poursuivre, en après-midi, avec un enchaînement rapide (un cue-to-cue) et un premier filage avec l'ensemble des éléments esthétiques.

Tout de suite après, nous avons été reçus par la mairie d'Orsay (sans compter toutes les réceptions qui ont ponctuées ces mêmes jours!) avant que de ne faire une générale devant les gens du conseil municipal et de ceux de la troupe qui nous recevait (en tout, une vingtaine de personnes). Une belle représentation (la meilleure des deux).

Jean-Sébastien Montpetit (Fred) pendant la générale du mardi 8 novembre au soir

Photographie: Christian Roberge

Le lendemain, toute l'équipe a pris la direction de Paris (c'est la photo ci-dessous) pour visiter la ville. Le seul hic, c'est que les trains sont souvent en grève... et voilà que nous sommes pris (bon, ça pourrait être pire!), là-bas, à quelques heures de la représentation officielle.

Toute l'équipe du voyage devant la cathédrale Notre-Dame-de-Paris.
Devant: Christian Roberge (scéno.), Joan Tremblay (Pen), Sonia Tremblay (ass. m.e.sc.), Réjean Gauthier (Le vieux).

Derrière: Charles R.-Dubé (Didi), J-Sébastien Montpetit (Fred), Sylvain Gaudreault, moi et Benoît Brassard (Jay)

Tout s'est cependant arrangé assez facilement... et le mercredi, 9 novembre, à 20h30, à la Salle Jacques-Tati, nous avons donné le spectacle devant une salle comble (environ 115 spectateurs), avec - ma foi! - un succès surprenant! Une représentation calme et posée... peut-être un peu fatiguée. Quatre rappels. Un public manifestement conquis... au-delà du propos dur et de la langue... ou plutôt, de l'accent.

Puis tout a été remballé, quelques minutes après la fin de la représentation, au cas où... qui sait... nous reprendrions ce spectacle...

A lire aussi:
Le rideau tombe sur La Défonce (Étoile du lac, 15 novembre 2011)
Le Mic Mac revient de France (Le Point du Lac-Saint-Jean, 15 novembre 2011)

________________________________________

Je reviendrai, dans les jours à venir, sur les deux productions que j'ai vues: Nous les héros, de Jean-Luc Lagarce, par la troupe D'un théâtre à l'autre, nos hôtes, et L'année de la pensée magique, avec Fanny Ardant, au Théâtre de l'Atelier.

Un ''groupie'' au Père-Lachaise...

2011-11-15T04:20:00.006-05:00

Au cours de mon périple européen des derniers jours, je suis allé me promené (pour la première fois) au cimetière du Père-Lachaise, à Paris... comme un pèlerinage théâtral... pour m'arrêter sur les monuments funéraires de grands comédiens, comme Talma et l'incontournable Sara Bernhardt (deux artistes souvent cités sur ce blogue)... Une autre photo que les deux ci-dessous manque... Celle de Rachel qui faisait l'objet de billets quelques temps avant mon départ...

Et un arrêt aussi sur quelques tombes d'auteurs que j'apprécie particulièrement... comme Courteline et, bien entendu, Molière... Ne manque, comme photo, que celle de Musset...

Blogue au repos

2011-11-04T09:26:00.005-04:00

Pour les jours à venir
(jusqu'au 17 novembre, en fait...),
ce blogue ne sera plus alimenté... ou si peu.
Non pas manque d'intérêt de ma part...
mais plutôt parce que je serai à Orsay et à Paris
avec le Théâtre Mic Mac de Roberval
et nous y jouerons La Défonce de Pascal Chevarie.

J'apporte avec moi mon ordinateur...
au cas où
(bien que je doute fort l'ouvrir au pied de la Tour Eiffel...).

Réalignement nécessaire...

2011-11-03T13:44:00.003-04:00

Je poursuis encore et toujours mes recherches pour le doctorat... encore et toujours avec le même sujet qui m'intéresse toujours autant: Le NÉO-MANIÉRISME MEYERHOLDIEN – redéfinition d’une vision des écritures scéniques actuelles dans une réactualisation des écrits et théories de Meyerhold.

Mais voilà.

Vient (trop souvent) un temps où la recherche se confond avec la perte de repères. Tenter d'ouvrir de nouvelles pistes ne fait parfois que multiplier les possibilités.

Il faut donc savoir faire un retour en arrière pour mieux reprendre la route, revoir les objectifs... quitte à laisser tomber des parties entières du projet initial pour mieux recentrer les énergies. Ce n'est pas tant abandonner que revenir à l'essentiel.

C'est ainsi que je me suis replongé dans les écrits de Meyerhold avec l'espoir d'un jour avoir gobé l'essence de son travail au point d'être capable de le restituer dans une forme actualisée. J'y recherche, à partir de celle-ci, les germes d'une redéfinition de la théâtralité et de la performativité tout en espérant donner par celle-ci un nouveau rapport entre l'écriture actuelle et la scène.

Du coup, j'ai mis de côté mes recherches en laboratoire en juin dernier: les résultats, bien qu'intéressants, n'étaient pas très probants... Ils ont au moins le mérite d'avoir posé de nombreuses questions... dont celle de la méthode. Il s'avère rapidement difficile de conjuguer écriture actuelle et recherche meyerholdienne en faisant une séparation radicale entre le rapport au texte, le rapport au corps et le rapport à la scène. Une chose saute aux yeux: les deux demandent un investissement total dans les trois volets pris, au fond, en un seul bloc.

En d'autres termes, il me faut donc reprendre le travail dans une nouvelle optique où le mot s'inscrit dans le corps qui lui même s'inscrit dans l'espace qui appelle le mot et ainsi de suite...

Bon. Un autre point bogue aussi (et c'est peut-être le pire...): la disponibilité des participants au projet. Je peux difficilement leur en vouloir mais le fait qu'ils ne sont pas rémunérés m'empêche de les avoir de façon intensive et efficace.

Me revoici donc à la recherche de la méthode idéale... qui demandera, sous peu, une rencontre avec ma directrice de recherche, Mme Irène Roy.

D'ici là, mon échéancier ne varie pas trop... Pas encore, du moins : je vise toujours la fin du doctorat à la fin de 2013 (voire début 2014).

L'oeuf ou la poule: une question d'esthétique...

2011-11-03T08:35:00.007-04:00

Image de produits vestimentaires tirée de ce site.

En lisant la revue Alternatives théâtrales (le même numéro - janvier 97 - dont il était question dans le billet précédent) je suis tombé sur cet entretien d'Olivier Besson avec le comédien Nicolas Pignon qui décrit un problème fort intéressant quand on y pense... et qui remet en cause une certaine façon de travailler... façon qui est pourtant quasi une norme dans le milieu théâtral:

Le problème est que la plupart du temps, le travail se fait trop vite. De ce fait, les décisions esthétiques sont le plus souvent prises avant la première répétition avec les acteurs. Les maquettes du décor et des costumes sont faites, et n'évolueront plus. Or avec les répétitions, les choses changent, parce qu'elles vivent.

Point de vue intéressant... bien que le contraire demanderait une logistique plus complexe: plus de temps et surtout, de l'espace...

[...] Il faudrait qu'en répétition, tout le monde répète, pas seulement les acteurs, mais le décor, les objets et les costumes aussi. Le travail théâtral est intéressant lorsque c'est mouvant, quand ça évolue.

Il y a donc là un appel à une construction esthétique plus intrinsèquement liée à la scène dans sa globalité (incluant la mise en scène et le jeu de l'acteur), plus essentielle... Une construction esthétique qui se pense non pas en amont des répétitions mais au cœur même de celles-ci.

[...] Si les éléments esthétiques du spectacle ne répètent pas avec les acteurs, ils ne vivent pas, et deviennent des principes, des signes du sens, des images dans l'air du temps. Ce n'est pas pour rien qu'on retrouve la même esthétique dans les spectacles d'une même époque: ça ne fait que répéter des préoccupations partagées, des codes connus et souvent même éculés.

Bien sûr, cette position est un peu radicale et voit le travail de conception complètement immobile, figé... sur lequel sera plaqué le travail d'interprétation. Ce n'est, bien sûr, pas tout à fait ça...

Cependant, il y a là plusieurs éléments qui se posent pour développer un nouveau rapport à la scène... dont le refus (et l'impossibilité) du travail sectoriel. Il y a là un tout - le théâtre! - qu'on ne peut fragmenter.

Ce n'est donc pas l'œuf ou la poule mais plutôt l'œuf et la poule: l'un est dans l'autre et vice-versa.

Déprime passagère

2011-11-02T06:25:00.000-04:00

Les répétitions,
c'est simple:
c'est venir chaque jour
avec cinq ou six idées,
les tester,
les jeter,
recommencer
et essayer de s'en aller
pas trop déprimé
le soir.

Cette belle définition des répétitions, passage obligé (et parfois douloureux) de l'art théâtral, est de Charlie Degotte, un metteur en scène belge contemporain. Elle est tirée du numéro spécial d'Alternatives théâtrales sur les répétitions (déc. 96-jan. 97).

«La Défonce» [Carnet de mise en scène]

2011-11-01T18:24:00.004-04:00

Photographie: Christian Roberge

En fait, il serait plus juste de titrer ce billet Carnet de voyage parce que c'est bien de cela qu'il s'agit.

Dans quelques jours - dans une semaine plus exactement! - nous jouerons La Défonce à Orsay. D'ailleurs, ça fout un peu les jetons que de lire, sur la page d'ouverture de la municipalité, notre affiche (voir là). C'est assez concret.

La version «en sortie» fonctionne bien... même mieux que je ne l'imaginais. Elle a été testée lors de la visite à Mont-Laurier. Il n'y a donc pas à craindre de ce côté... Nous irons donc rejoindre nos palettes de bois qui nous attendront là-bas.

Donc, lundi et mardi, nous serons dans la salle Jacques-Tati pour nous installer (le point crucial étant les éclairages... conçus par Alexandre Nadeau), répéter... et faire une générale devant quelques personnes.

Mercredi, le 9 novembre 2011, à 20h30, nous commencerons... Bien hâte de voir comment les cousins français recevront ce texte de Chevarie où les sacres ont une large place. Ça fera exotique...

Naissance de la L.N.I.

2011-11-01T10:37:00.002-04:00

Voici le documentaire sur la naissance de la Ligue Nationale d'Improvisation (l'une des plus grande réussite théâtrale québécoise exportée un peu partout dans le monde) qui a été réalisé dans le cadre de la série Tout le monde en parlait, présenté à Radio-Canada. Un petit morceau de l'histoire du théâtre au Québec...

Un bon Feydeau

2011-10-31T09:26:00.012-04:00


Christian Ouellet (Benoît Pinglet) et Mélanie Potvin (Marcelle Paillardin) - Photographie: Geneviève Mercier-Bilodeau

Ai assisté à la représentation d'hier après-midi de L'Hôtel du Libre-échange de Georges Feydeau, la production annuelle des Têtes Heureuses présentée au Petit Théâtre de l'UQAC.

Personnellement, je suis un fan fini de ces vaudevillistes de la seconde moitié du XIXième siècle dont Feydeau est peut-être celui qui a poussé le plus le genre vers sa perfection. Parce que c'est de cela qu'il s'agit: un objet (littéraire) d'une perfection sans faille. Une pièce bien faite (dans ce que l'expression a de plus convaincant: construction rigoureuse et rythmée). Un exercice scénique exigeant tant pour le metteur en scène et que pour les comédiens.

La production des Têtes Heureuses, par tout un jeu de dépouillement esthétique (peu de d'accessoires, pas de véritable scénographie, pas de costumes d'époque, que de l'éclairage efficace qui dynamise l'espace et du son qui emplit tout l'espace) un peu forcé, place ce texte-objet au coeur même du spectacle (et en ce sens, on reconnait là la direction artistique de la compagnie) et laisse les mots surprendre les spectateurs par le ton, la cruauté, la drôlerie proche de l'absurde qui fera les beaux jours du théâtre quelques décennies plus tard.

Un texte féroce. Des enjeux faciles (l'homme qui veut tromper son épouse), des scènes surréalistes (notamment la chicane entre deux époux sur une invitation lancée en l'air... devant l'invité en question), des quiproquos détonants puis une cascade de dénouements . Quand la machine se met en marche, plus rien ne l'arrête... même pas les quelques longueurs qui peuvent surgir sur les deux heures et quinze de péripéties que dure le spectacle.

Parmi toute cette flopée de personnages (tous plus antipathiques les uns que les autres), de belles performances d'acteurs (et des découvertes)... et beaucoup de rires, j'imagine, quand la salle se réchauffe et décide de participer!

Ça finit bien? Ça finit mal? Peu importe... sinon que quelqu'un paie quelque part. Tiens. C'est moderne comme morale.

Au théâtre, cette semaine! (du 30 oct. au 5 nov. 2011)

2011-10-30T06:45:00.001-04:00

Voici ce qui attend l'amateur de théâtre saguenéen pour la semaine qui débute aujourd'hui... Peut-être y a-t-il autre chose... si c'est le cas, on peut les rajouter via les commentaires.

Dimanche - 30 octobre 2011
Petit Théâtre de l'UQAC, 14h

Dernière représentation de la semaine (enfin, de la première semaine...) de L'Hôtel du Libre-échange de Feydeau, présenté par Les Têtes Heureuses. (Une autre entrée revient plus loin...)

Dimanche - 30 octobre 2011
Théâtre Palace (Arvida), 14h

Diffusion Saguenay reçoit le maître du burlesque québécois, Gilles Latulippe, ses acolytes et leur spectacle Ça bat 4 as!.

Lundi - 31 octobre 2011
Salle Pierrette-Gaudreault, 20h

Avant de partir en petite tournée avec Les Sens, le Théâtre La Rubrique redonne dans leur salle, pour une soirée seulement, cette production présentée à l'hiver dernier réunissant six auteurs venus de la région.

Mercredi à samedi - 2 au 5 novembre 2011
Salle Murdock (Chic.), 20h
SECONDE SEMAINE DE REPRÉSENTATIONS

Le Théâtre C.R.I. s'associe au Théâtre À Bout Portant pour présenter La fuite des choses à partir d'un poème-récit d'Étienne Provencher-Rousseau. Un spectacle de peu de mots sur les codes et les conventions, dans un vaste terrain de jeu qu'est la salle de représentation.

Jeudi - 3 novembre 2011
Auditorium d'Alma, 20h

L'Auditorium d'Alma reçoit la production Bousille et les justes, un grand classique du répertoire québécois (de Gratien Gélinas) mis en scène par Michèle Deslauriers. Je ne sais trop qui produit ce spectacle par contre...

Jeudi à samedi - 3 au 5 novembre 2011
Petit Théâtre (UQAC), 20h
(et aussi dimanche - 6 novembre 2011, 14h)
SECONDE SEMAINE DE REPRÉSENTATIONS

Les Têtes Heureuses présentent L'Hôtel du Libre-Échange de Georges Feydeau. Une pièce sur le désir... et tous les mécanismes mis en place pour le combler: ruses, calculs, manipulations, mensonges, etc.

«On se casse les noisettes!» [Carnet de mise en scène]

2011-10-29T08:14:00.004-04:00

Et c'est parti (enfin presque!) pour la cinquième production de Noël du Théâtre 100 Masques (il y a eu La Noël de Gruntilda, La Noël de Gruntilda II - La Nativité, Le Singulier noël de Mme Weiss - Quand viennent les boules et les grelots et Boules en stock!). Aussitôt que les décorations arrivent sur les tablettes des magasins, nous reprenons nos crayons!

Comme toutes les éditions précédentes, celle de cette année reprendra quelques numéros déjà montés qui seront remis en scène. Du recyclage, quoi...

D'autres s'ajouteront... dont le contexte général du spectacle.

Encore une fois, la formule cabaret, avec un jeu très centré sur les réactions du public, sera privilégié. Et la ligne directrice demeure encore le passage à la moulinette de différentes traditions des Fêtes... encore et toujours sous le couvert de l'ironie, de la causticité, de l'humour noir.

Cette année, donc, le spectacle portera le titre On se casse les noisettes! Après les cantiques (qui reviendront tout de même), le ballet... et tout ce qui peut contrarier le soir du réveillon...

Le canevas a été conçu il y a quelques jours.

Les répétitions débutent mardi qui vient... après l'Halloween... par principe! Celles-ci ont toujours quelque chose de fort stimulant parce que nous partons de rien pour créer chacune des parties. L'écriture textuelle se conjugue donc en même temps que l'écriture scénique, laissant, du coup, une très large part aux propositions des comédiens. Le plus surprenant est que cette extrême liberté peut quand même devenir castrante et contraignante...

L'édition de 2011, avec, je l'espère, son lot habituel de fous rires, de chocolat chaud et de biscuits, pourra compter avec des vétérans Marilyne Renaud (qui en sera à sa quatrième participation déjà), Mélanie Potvin et Marc-André Perrier (qui l'ont fait chacun deux fois) et deux nouveaux venus dans le genre, Frédéric Jean et Marie-Noëlle Lapointe. Sophie Larouche partagera avec moi la mise en scène pour des raisons d'ordre techniques (je pars...) et artistiques (redonner un nouvel élan).

Petite forme qui ferme la saison, ce spectacle demeure, année après année, un fort bon exercice pour les participants: susciter les rires sans trop en faire, sans cabotiner; être capable de juger de la situation et d'improviser; dialoguer avec la salle et ses spectateurs; faire abnégation de ses gênes et se lancer avec entièreté dans le côté irrévérencieux de la chose.

Un jeu du passé...

2011-10-28T16:09:00.002-04:00

J'adore les descriptions romancées des grands acteurs (particulièrement les acteurs français...) du XIXième siècle, de ces monstres du théâtre qui faisaient courir les foules et qui brûlaient la scène si non de leur talent, sûrement de leur ego et de leur prestance acquise par la célébrité.

Hernani au Français - Mounet-Sully se donne à chaque instant cinq ou six xoups de poing à la poitrine et, sentant qu'il n'y a pas le compte, s'en donne encore deux ou trois. Il pousse des cris de phoques, ouvre une bouche de tube digestif, retrousse les narines jusqu'à l'oeil qui est d'un blanc d'oeuf effrayant. On ne l'entend pas, ou bien il hurle, mais il y a, en tout, une cinquantaine de vers qu'il dit comme un dieu.

Celle-ci, concernant Mounet-Sully (qui sacrifie manifestement le rendu du texte à l'effet scénique), est de Jules Renard, dans son journal, en date du 4 décembre 1900.

Je serais bien curieux de voir ce que donnait des cris de phoque dans une bouche de tube digestif... Ah. Tiens. Coïncidence. Voici un petit vidéo trouvé sur Youtube qui reprendra, en présentant le terrible acteur, la description mentionnée plus haut...

Et encore une!

2011-10-27T06:19:00.000-04:00

Nouveau soir... et nouvelle production qui débute! Et c'est maintenant au tour des Têtes Heureuses de montrer ce dont elles sont capables en présentant L'Hôtel du Libre-Échange de Georges Feydeau.

À toute l'équipe,

Rodrigue Villeneuve, Hélène Bergeron, Chantale Boulianne, Alexandre Nadeau, Patrice Leblanc, Patrick Simard, Martin Giguère, Christian Ouellet, Lucille Perron, Mélanie Potvin, Sophie Larouche, Eric Renald, Julie Bernier, Simon Allard, Valérie Essiambre, Cynthia Bouchard, Priscilla McLeod
et tous les autres qui graviteront autour de ce spectacle,

MERDE!

de même qu'à Carol Dallaire qui s'installe dans le hall du Pavillon des Arts pour une exposition en parallèle à cette production, Hôtel Terminus:

L'acteur meyerholdien...

2011-10-26T08:24:00.000-04:00

Je m'occupe, ces temps-ci, à faire une synthèse de la pensée meyerholdienne... notamment en ce qui a trait au rapport à l'acteur. Qu'on se rassure, je ne fais pas ça par simple loisir mais plutôt dans le cadre de mes recherches pour le doctorat...

Eraste Garine (Klesthakov) et Zinaïda Raikh (Anna Andreïvna) pendant Le Revizor de Gogol, en 1926

L'acteur meyerhodien a donc une conscience très grande de lui-même dans son rapport à l'espace, à son partenaire, à l'objet. Cette grande conscience se conjugue avec un contrôle aigu de son corps (d'où les exercices de biomécanique). Son travail se construit non pas sur le personnage, mais plutôt sur ses actions de comédien.

Ces deux éléments (rapport à l'espace et contrôle) sont essentiels pour qu'ils puissent agir en scène tout en maîtrisant le temps scénique (j'ai lu une formule à ce sujet: le jeu d'acteur, c'est essentiellement son duel avec le temps), le rythme.

Quand toutes ces notions sont acquises et mises à profit, un cadre est fixé... et à partir de là, l'acteur peut devenir improvisateur. Parce que oui, malgré l'impression donnée (que le metteur en scène est tout puissant), l'acteur reste, en quelque sorte, metteur en scène de lui-même.

Je profite de l'occasion pour remettre ici une vidéo de ce Revizor (qui correspond principalement au septième tableau, celui où Klesthaov est ivre... bien qu'il y ait au centre, la présentation d'un tableau précédent - le troisième je crois - pour présenter les femmes) qui a fait date...

Et d'une autre première!

2011-10-26T06:15:00.000-04:00

C'est ce soir que débute la nouvelle production des théâtres C.R.I. et À Bout Portant... La fuite des choses!

À toute l'équipe,

Guylaine Rivard, Vicky Côté, Éric Chalifour, Élaine Juteau, Sonia Robertson, Andrée-Anne Giguère, Serge Potvin, Étienne Provencher-Rousseau
et tous les autres qui tournent autour,

MERDE!

L'infâmie des comédiens

2011-10-25T10:24:00.003-04:00

Dans la catégorie «on vomit allégrement sur le théâtre avec grâce et moult mots» (généralement par les Pères de l'Église ou, comme c'est le cas ici, par des prêtres ou des directeurs de consciences), voici l'impression théâtrale (tirée de ses Réflexions sur le théâtre, qu'on retrouve ici à partir de la page 190) de Bertrand De La Tour... doyen du chapitre de la cathédrale de Mautaban. Est-ce le même que ce franciscain du XIIIième ou XIVième siècle qui illustre ce billet? Je ne sais trop...

LIVRE II, Chapitre V
Infamie civile des comédiens

Tout le monde sais que le métier de comédien est infâme; mais peu de personnes ont une idée juste de l'infamie. C'est une peine portée par les lois en punition de certains crimes, qui rend inhabile à tout. Un infâme devient irrégulier, et ne peut recevoir ni ordre ni bénéfice; il ne peut être pourvu d'aucune charge, il n'est reçu ni accusateur, ni témoin, ni juge, que contre un autre infâme comme lui; il ne peut plaider au barreau, ni être officier dans les armées; on ne peut s'allier avec lui sans se déshonorer, etc. Ce n'est donc pas seulement une diffamation, un mépris public, c'est une tache légale qui opère juridiquement tous ces effets. [...] Telle est l'infamie attachée au métier de comédien, qui ne saurait être plus évidente et plus notoire, puisqu'aux yeux de tout le public il monte habituellement sur le théâtre. [...]

[...] Cette infamie, trop méritée et trop bien justifiée, a fait donner aux comédiens une infinité de noms, et toujours méprisants: histrions, bateleurs, mimes, jongleurs, farceurs, tabarins, trivelins, baladins, arlequins, bouffons, saltimbanques, etc. Ils indiquent à la vérité quelque différence dans le jeu, les pièces, la conduite; une dissolution, une impudence plus ou moins grande excite la sévérité des lois, le zèle des princes et des fidèles. [...] C'est à peu près toujours la même chose: peinture des passions, surtout de l'impureté, pour inspirer et pour plaire; mélange des sexes, femmes indécemment vêtues et parées [...]; gestes, attitudes, chants, danses, conversations dissolues, personnes de mauvaises mœurs, prêtes à tout, ne cherchant qu'à séduire, communément très-séduisantes; mauvaise compagnie, parterre et loges pleines de libertins que le vice y rassemble. [...] Le fond et la forme sont toujours mauvais, et en général le métier et ceux qui le font méritent l'infamie dont la loi les couvre.

Et ce ne sont là que quelques mots glanés dans les dizaines de pages qui suivent... pages éclairantes sur les exemples, les lois précises, les punitions, etc.

Irrévocablement!

2011-10-25T07:14:00.002-04:00

De tous temps, les administrateurs de théâtre ont eu des trucs pour attirer les spectateurs... des trucs parfois un peu limite en matière d'honnêteté... mais au fond, ce qui compte, c'est créer l'événement et devenir l'incontournable du jour. Un bon exemple: triturer l'information sur les affiches:

Un autre schéma...

2011-10-24T16:22:00.005-04:00

Voilà. Je continue encore de tenter de définir (en la simplifiant à l'extrême...) une certaine vision du théâtre dont le rapport au corps (par extension, la performativité) serait le lien essentiel pour la construction théâtrale entre le rapport au texte (donc la littérarité) et le rapport à la scène (l'esthétique, la théâtralité).

Entre le mot et le code, deux éléments fixes de la chose dramatique, se retrouve le sens, élément mouvant, soumis à l'interprétation et du metteur en scène, et du comédien.

Cet exercice de schématisation surpasse sa futilité apparente en tentant de montrer, le plus clairement possible (mais peut-on être vraiment clair?), une idée.

Comme le schéma suivant qui pourrait permettre de situer une représentation théâtrale selon les deux principales notions que sont la théâtralité et la performativité.